sábado, 6 de agosto de 2016

Marvin Hamlisch.

Resultado de imagen para Marvin Hamlisch.

Marvin Hamlisch, falleció el 6 de agosto de 2012 en Los Ángeles, California, Estados Unidos, fue un compositor, director, pianista y uno de los once artistas que ganó los 4 premios fundamentales del espectáculo estadounidense: Grammy, Emmy, Tony y Oscar.

Marvin Hamlisch, nació el 2 de junio de 1944 en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos, Hijo de inmigrantes vieneses judíos, fue un niño prodigio y aceptado a los siete años en la Juilliard School of Music.

Se inició como pianista de Barbra Streisand en Funny Girl y arreglando las composiciones de cantantes de la época y posteriormente colabora con Quincy Jones y Liza Minnelli.

Empezó a componer y a dedicarse a Broadway con el estreno de varios musicales, siendo los más conocidos A Chorus Line y Smile, la música de A Chorus Line, ganadora del Premio Pulitzer y 9 premios Tony, que alcanzó más de 6000 representaciones en Broadway entre 1975-1990, hasta el año 2011 el musical con mayor cantidad de representaciones en la historia.

Fue el único compositor que ganó, en una misma ceremonia de entrega de Oscars, los tres dedicados a la música: mejor banda sonora original, banda sonora adaptada y mejor canción, en 1973.

Colaboró con Woody Allen, Barbra Streisand e incluso en la serie de películas de James Bond, obtuvo 2 Premio Oscar, en el apartado de la mejor música, con Tal como éramos (1973) por la mejor banda sonora original y El golpe (1973) por la mejor música adaptada, también fue nominado en 2 ocasiones más por La espía que me amó (1977) y La decisión de Sophie (1982).


También destacó con sus canciones en películas, colaborando entre otros con Alan y Marilyn Bergman, Barbra Streisand, Johnny Mercer, Carole Bayer Sanger o Bryan Adams, gracias a esta colaboración recibió también numerosas nominaciones, exactamente ocho, a la mejor canción en las películas: Señor Kotcher (1971), Tal como éramos (1973), La espía que me amó (1977), El próximo año, a la misma hora (1978), Castillos de hielo (1979), A Chorus Line (1985), Shirley Valentine (1989) y El amor tiene dos caras (1996), obteniéndolo únicamente con Tal como éramos (1973).


THE ENTERTAINER.





THROUGH THE EYES OF LOVE - ICE CASTLES.





THE SPY WHO LOVED - Bond 77.





ONE- A CHORUS LINE.





I HOPE I GET IT - A CHORUS LINE.





WHAT I DID FOR LOVE - A CHORUS LINE.





"SOPHIE'S CHOICE" LOVE THEME.


Rick James.

Resultado de imagen para Rick James. concierto

James Ambrose Johnson, Jr. conocido como Rick James, falleció el  6 de agosto de 2004 en Burbank, California, Estados Unidos, fue un músico de disco, funk y soul, su primer éxito fue la canción de ocho minutos "You and I" de su primer álbum Come Get It de 1978, su canción más famosa es "Super Freak" del álbum Street Songs de 1981, que fue la base para "U can't touch this" de MC Hammer.

James Ambrose Johnson, Jr. Nació el 1 de febrero de 1948 en Buffalo, Nueva York, Estados Unidos, a finales de los 70, cuando la fortuna de Motown Records parecía estar decayendo, apareció Rick James, quien salvó la compañía al darle éxitos que actualizaban su sonido para volverlo más funky y que la sostuvieron hasta mitad de los 80s.

Su primer grupo fue The Mynah Birds, junto a Neil Young y Bruce Palmer, vivió un tiempo en el Reino Unido, donde lideró el grupo Main Line .

A su regreso, reinició su carrera como cantautor y productor, con su banda de soporte The Stone City Band, su primer éxito fue la canción de ocho minutos ""You and I"" de su primer álbum Come Get It (1978).

Su canción más famosa es ""Súper Freak"" (del álbum Street Songs (1981), que fue la base para ""U Can't Touch This"" de MC Hammer, también tuvo éxitos en sus discos Throwin Down y Cold Blooded, del 82 y 83.

Asimismo produjo a los Temptations para Motown y les escribió el hit "Standing On The Top, adicto a la cocaína desde 1993 hasta 1995, cumplió condena por dos ataques a mujeres, sus problemas legales evitaron que se aprovechara del éxito de "U Can.t Touch This, ya que lo mantenían alejado del estudio de grabación.


James intentó regresar al mundo musical con un nuevo disco (Urban Rhapsody) y una gira en 1997, pero un ataque cardíaco leve durante un concierto puso fin a su carrera, fue encontrado muerto de un paro cardiorrespiratorio en su casa de Los Ángeles en 2004.


SÚPER FREAK.





THROW DOWN.





 GIVE IT TO ME BABY


Bix Beiderbecke.

Resultado de imagen para Bix Beiderbecke.

Leon Bismark Beiderbecke, "Bix" Beiderbecke, falleció el 6 de agosto de 1931 en Sunnyside, Nueva York, Estados Unidos, fue un cornetista de jazz tradicional, se trata de una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores.

Leon Bismark Beiderbecke, nació el 10 de marzo de 1903 en Davenport, Iowa, Estados Unidos, situado en plena época del swing, poseía un elegante y distintivo tono, y un espectacular y original estilo de improvisación, fue el rival blanco de Louis Armstrong en los años veinte, aunque la comparación no es factible debido a las diferencias de estilo y sonido entre los dos.

Beiderbecke empezó en la música muy prematuramente; hay noticias de que ya a los tres años podía tocar algo en el piano, influenciado por Nick La Rocca, a quien escucha tocar, Beiderbecke se dispuso a dedicarse al jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación una frivolidad; fue enviado a la academia militar Lake Forest en 1921, que afortunadamente se hallaba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época.

Beiderbecke fue expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase, tras un breve periodo en casa, se convirtió en músico profesional, en 1923, Beiderbecke se convirtió en el cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo.

A finales de 1924, abandonó el grupo para unirse a la orquesta de Jean Goldkette pero su incapacidad para leer música le obligó a abandonar, en 1925, estuvo en Chicago intentando aprender a leer música, el año siguiente estuvo con la orquesta de Frankie Trumbauer en San Luis.

Enganchado ya al alcohol, no obstante 1927 sería el año más importante para Bix, trabajó con la orquesta de Jean Goldkette, grabó su obra maestra al piano, "In a Mist" (uno de sus cuatro originales inspirados en Debussy), grabó algunos temas clásicos con un pequeño grupo liderado por Trumbauer (incluyendo sus grandes solos "Singin' the Blues", "I'm Comin' Virginia" y "Way Down Yonder in New Orleans"), y firmó con la importante orquesta de Paul Whiteman, con Whiteman, los solos de Beiderbecke tendieron a ser breves momentos mágicos; su brillante coro en "Sweet Sue" es un perfecto ejemplo de ello.

Estuvo plenamente productivo hasta 1928, pero al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas, Beiderbecke tuvo que descansar, reapareció, y finalmente en septiembre de 1929 fue enviado a Davenport a recuperarse.


En 1930 realizó grabaciones intrascendentes, las últimas que haría antes de morir, Beiderbecke tuvo un ataque de delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York, sin nadie alrededor para ayudarle, murió a los 28 años.


SINGIN' THE BLUES.





THERE'LL COME A TIME.





BIG BOY.





MISSISSIPPI MUD.





I'M COMIN' VIRGINIA.





DAVENPORT BLUES.


Domenico Modugno.

Resultado de imagen para Domenico Modugno.

Domenico Modugno, falleció el 6 de agosto de 1994 en Sicilia, Italia, fue un cantautor, compositor, guitarrista y actor, representó en varias ocasiones a Italia en el Festival de la canción de Eurovisión.

Domenico Modugno, nació el 9 de enero de 1928 en Bari, Italia, de joven aspiró a convertirse en actor y lo consiguió, con poco más de veinte años, y gracias a una beca, logró una plaza en el Centro Experimental de Cinematografía de Roma, consiguió rodar varias películas e, incluso, protagonizar La capa roja.

Tras sus primeros papeles en el cine, decidió iniciar su carrera de cantante, su triunfo en el Festival de San Remo en 1958 con la conocida canción Volare, le abrió las puertas de mercados casi imposibles, como el de Estados Unidos, la canción, que cosechó un gran éxito, quedó tercera en el Festival de Eurovisión del mismo año.

En otras tres ocasiones ganó el Festival de San Remo y volvió a representar a su país en Eurovisión en 1959 y 1966.

A lo largo de su carrera musical, que siempre alternó con la de actor de cine y teatro, tuvo enormes éxitos con canciones como O sole mío, el único disco de la música italiana que consiguió llegar a los primeros puestos del hit parade estadounidense, también fueron muy conocidas Ciao, ciao bambina, Dio, come ti amo o Llora el teléfono, muy populares.

Fue considerado “el padre” de los cantautores italianos y sin duda uno de los más prolíficos artistas, puesto que grabó 230 canciones, e interpretó 38 películas para cine, 13 obras teatrales y 7 para la televisión, además fue presentador de televisión.

En 1984,  se retirada de los escenarios, durante un tiempo se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Tras su fallecimiento, y con motivo del 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso, tras Waterloo de ABBA.


LA DISTANCIA.





DELFINI (SAI CHE C'È)





TU SI NA COSA GRANDE.





PIANGE IL TELÉFONO.





COMO HAS HECHO.





DIO, COME TI AMO!





VOLARE.


Yuki Kajiura.

Resultado de imagen para Yuki Kajiura.

Yuki Kajiura, nació el 6 de agosto de 1965 en Tokio Japón, es una compositora de bandas sonoras para animación japonesa y video-juegos, participando además en colaboración con otros músicos en orquestas para diversas obras de teatro.

Yuki Kajiura se especializa en la música new age, a pesar de que la mayor parte de su música es electrónica hay claras influencias de música clásica, ritmos tribales, y estilos clásicos europeos

Yuki Kajiura mezcla en sus canciones cantos y/o corales, algo muy característico en su música, suelen ser elaborados por sintetizador, pero en algunas canciones también pueden colaborar cantantes de ópera japonesas, como en el tema "Materialise" del primer disco de la banda sonora de Mai Otome o la "Tokyo Philharmonic Chorus" en varias canciones de la banda sonora de El Cazador de la Bruja.

En la canción "now-here" de la banda sonora de MADLAX inventa una palabra que es "YANMAAI", que el coro repite varias veces a lo largo de la canción.

En lo referente a la música para animación, ha producido bandas sonoras para diversos animes, entre los que se encuentran: hack-SIGN, Naruto, Noir y Tsubasa Chronicle, también ha compuesto o ha participado en las bandas sonoras de Aquarian Age, Madlax, Gundam Seed, Gundam Seed Destiny, Mai Hime, Mai Otome, y una de las películas de Kimagure Orange Road.

En la música para videojuegos, ha producido las bandas sonoras para Xenosaga III, habiendo participado también en la producción para la de Xenosaga II.

Yuki Kajiura es una de las compositoras que en sus obras pone un toque más de su estilo, a partir del año 2004 empezó a introducir palabras sin significado en las bandas sonoras y canciones; Aquarian Age fue la serie pionera en esto, su idioma es comúnmente conocido como "Kajiurasico" (ella lo nombra como Kajiurago, go significa idioma en japonés); de esas letras no hay nada oficial por parte de ella, pero sí es verdad que ha habido filtraciones de origen desconocido.

VANITY.





FAKE WINGS.





NIGHTCORE.





IN THE LAND OF TWILIGHT.





SWORD ART ONLINE.





A SONG OF STORM AND FIRE.






GRANDPA'S VIOLIN.


viernes, 5 de agosto de 2016

Chavela Vargas.


María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, conocida artísticamente como Chavela Vargas, falleció el 5 de agosto de 2012 en Cuernavaca Morelos, México, fue una cantante mexicana, nacida en Costa Rica, se la considera una figura principal y peculiar de la música ranchera.

María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, nació el 17 de abril de 1919 en San Joaquín, Costa Rica, tuvo una infancia difícil, sus padres se divorciaron y se desentendieron de ella, dejándola al cuidado de unos tíos, sufrió poliomielitis, en México, país del que obtuvo la nacionalidad, residió por casi ocho décadas.

En México Chavela incursionó en la canción ranchera, tenía un peculiar estilo de interpretar, cantaba este tipo de canciones, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra y su voz, emulando la forma de cantar de un hombre ebrio, por ello, en ocasiones, bajaba el ritmo de las melodías, de este modo, teñía de más desgarro canciones que otros entendían como pícaras o de humor, fue un personaje a contracorriente desde joven: vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico gabán rojo.

Chavela Vargas se trasladó a México cuando tenía 17 años y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana, a los treinta se hizo cantante profesional, de algún modo, apadrinada por el compositor y cantante José Alfredo Jiménez, de quien era compañera de parrandas, su primer álbum fue publicado en 1961.

Cuentan que cuando Jiménez falleció, Chavela acudió a su velatorio y se desplomó cantando y llorando borracha, cuando varias personas intentaron apartarla, la viuda de Jiménez las detuvo, Déjenla, que está sufriendo tanto como yo.

A finales de los años cincuenta empezó a hacerse conocida en algunos círculos artísticos, en parte gracias a sus actuaciones en Acapulco, meca del turismo internacional, allí actuaba en la sala Champagne Room del restaurante La Perla.

Actuó en la fiesta nupcial de Elizabeth Taylor y Michael Todd, a la que acudieron famosos como Cantinflas, Debbie Reynolds y su entonces marido Eddie Fisher, en aquella época Chavela conoció a Ava Gardner, Rock Hudson y Grace Kelly, trabó una estrecha amistad con los pintores Diego Rivera y Frida Kahlo, que la alojaron en su casa.

En su larga vida también formó lazos con Picasso, Pablo Neruda, Carlos Fuentes, Carlos Monsivais, Juan Rulfo, López Michelsen, Agustín Lara, Alfonso Camín, Nicolás Guillén, Juan Carlos del Valle y Gabriel García Márquez, con quien cenaba una vez al año en cualquier lugar del mundo donde se encontraran.

En el mundo de la música fue muy cercana a José Alfredo Jiménez, Agustín Lara, Tomás Méndez, Álvaro Carrillo, Cuco Sánchez, Facundo Cabral, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Ana Belén, Víctor Manuel, Juan Gabriel, Sara Baras, Buika, Eugenia León, Martirio, María Dolores Pradera y Lila Downs, entre otros.

Los graves problemas producidos por el alcohol en su vida personal la llevaron a retirarse de una carrera artística de gran éxito a finales de los años setenta y durante años se sumergió en el anonimato.

Gracias a un encuentro casual con el director de cine Pedro Almodóvar empezó a superar sus problemas con el alcoholismo y regresó a la escena pública a principios de los años noventa.

Chavela debe buena parte de la fama de su segundo periodo de actividad artística a su aparición en varias películas de éxito, bien mediante canciones incluidas en ellas o como actriz.

Werner Herzog la incluyó, interpretando a una nativa, en su película Grito de piedra (1991), el director español Pedro Almodóvar incluyó canciones interpretadas por ella en varios de sus filmes, como Tacones lejanos; alcanzó un importante éxito con la canción de Agustín Lara) "Piensa en mí" en la voz de Luz Casal.

Chavela apareció después en la película de Julie Taymor, Frida, cantando una versión del popular son istmeño "La llorona" y la canción ranchera de Tomás Méndez "Paloma negra", también apareció en Babel, la película de Alejandro González Iñárritu, cantando "Tú me acostumbraste", bolero de Frank Domínguez.

Fue muy sonada la aparición de Chavela en la Sala Caracol de Madrid, en 1993, donde Chavela logró recobrar su fama y la atención tanto de su público seguidor como de nuevas generaciones de admiradores y de los medios de comunicación tanto españoles como mexicanos y del resto de Hispanoamérica.

A mediados de 2001, ofreció un multitudinario concierto en el Zócalo de la Ciudad de México, al cual asistieron los más relevantes medios de prensa del país y una enorme cantidad de seguidores que la ovacionaron y cantaron con ella sus memorables éxitos como: Piensa en mí, Macorina, María Tepozteca, Las ciudades, La bien pagá y Un mundo raro, entre muchos otros, en ese mismo año publicó su libro "Y si quieren saber de mi pasado..." que recopilaba relatos autobiográficos de la cantante desde un aspecto más íntimo, y que se convirtió en éxito de ventas.

Sus últimos años los vivió en Tepoztlán (Morelos), a las faldas del cerro del Tepozteco, con quien decía charlar todas las mañanas, en 2009 con motivo de su 90º aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un homenaje nombrándola Ciudadana distinguida.

En abril de 2012 con 93 años de edad, lanzó su más reciente disco-libro Luna grande, donde revivió, a modo de homenaje, relevantes poemas del escritor español Federico García Lorca y repasa algunos de sus mayores éxitos, el disco fue presentado el domingo 15 de abril de 2012 en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, el cual era considerado por la artista el escenario más importante del mundo, esta sería la última actuación ofrecida por la cantante en México, del que se despidió con una peculiar versión de "La llorona" diciendo: "Y así termina una historia que comenzó de la nada.

Esta fue la segunda y última ocasión que Chavela Vargas se presentó en el Palacio de Bellas Artes, antes sólo lo había hecho en 1995.

En julio de 2012 viajó a España para presentar su último disco en un recital en la Residencia de Estudiantes de Madrid, fue su última aparición pública y su última actuación, dos días después, el 12 de julio, fue hospitalizada en dicha ciudad por un cuadro de fatiga y taquicardia, se recuperó y emprendió viaje de regreso a México, sabiendo que le quedaba poco tiempo.

El 30 de julio de 2012 fue internada en el hospital Inovamed de la ciudad mexicana de Cuernavaca, con problemas crónicos en corazón, pulmones y riñones, esto tras el viaje a España, no quiso ser entubada ya que ella quería tener una muerte natural, se le preguntó que si se arrepentía de haber hecho ese viaje a lo que respondió “Yo sabía perfectamente bien cuáles eran los costos, y claro que valió la pena”. Le dije adiós a Federico, les dije adiós a mis amigos y le dije adiós a España. Y ahora vengo a morir a mi país.

El domingo 5 de agosto de 2012 se dio a conocer su fallecimiento a través de su Twitter Oficial con la siguiente frase: Silencio, silencio, las amarguras volverán a ser amargas... se ha ido la gran dama Chavela Vargas.


LA LLORONA.





FALLASTE CORAZÓN.





EL ÚLTIMO TRAGO.





NO VOLVERÉ.





PIENSA EN MÍ.





LAS SIMPLES COSAS.





POR QUÉ VOLVISTE A MÍ.





LUZ DE LUNA.





UN MUNDO RARO.





CORAZÓN.






MACORINA.




ADORO.


Chava Flores.

Resultado de imagen para chava flores

Salvador Flores Rivera, conocido como Chava Flores, falleció el 5 de agosto de 1987 en México, D. F. fue un compositor y cantante popular.

Chava Flores, nació el 14 de enero de 1920 en la Ciudad de México, en la calle de La Soledad en el barrio de La Merced, está considerado como el retratista y cronista musical de los personajes y situaciones de la metrópoli mexicana.

Chava Flores, compositor de cerca de 300 canciones, refiere en su libro autobiográfico Relatos de mi barrio, que empezó a trabajar y a ganar sus primeros pesos desde los 13 años como cortador, etiquetero y planchador de corbatas, cortador de telas, bodeguero, repartidor, cobrador, contador privado ya que estudió en la Escuela Superior de Comercio y Administración, dueño de un almacén de ropa, ferretero, tlapalero, vendedor de zapatos y calcetines, repartidor de carnes, editor y músico.

Entre 1948 y 1951 fue editor de la revista quincenal El álbum de oro de la canción, para 1952 se inició en la XEW y XEQ en los programas: Pida su canción, La Hora Nacional y Tercia de ases.

Prolífico compositor e intérprete, dentro de su repertorio se encuentran canciones que fueron cantadas, entre otros, por Pedro Infante, Oscar Chávez y Amparo Ochoa, entre ellas. Cerró sus ojitos Cleto, Sábado Distrito Federal, El gato viudo, Boda de vecindad, El retrato de Manuela, La presentación, La interesada, La tertulia, Las otras mañanitas, Llegaron los gorrones, Mi chorro de voz, Pobre Tom, Los Pulques de Apan, Los aguaceros de mayo y Vámonos al parque, Céfira.

Trabajó como actor de cine en varias películas, entre ellas: La esquina de mi barrio (1957), de la cual también fue creador del argumento, así como de las canciones, otras películas en las que actuó fueron: Bajo el cielo de México (1957); Rebelde sin casa (1957), La máscara de la muerte (1960) y 4 hembras y un mach-o-menos (1981).


Chava Flores, fue el gran cronista musical de la metrópoli mexicana, sus canciones de tintes cómicos, fueron temas o se incluyeron en varias películas.


CERRÓ SUS OJITOS CLETO.





LOS GORRONES.





LOS PULQUES DE APAN.





EL RETRATO DE MANUELA





SÁBADO D.F.





LA INTERESADA.





A QUE LE TIRAS CUANDO SUEÑAS MEXICANO.


Motoi Sakuraba.

Resultado de imagen para Motoi Sakuraba.

Motoi Sakuraba, nació el 5 de agosto de 1965 en Akita-Japón, es famoso por ser el compositor de bandas sonoras de videojuegos, anime y series de televisión, también es músico de rock progresivo independiente.

La música de Motoi Sakuraba, ha aparecido en animados y dramas televisivos bandas sonoras, conciertos en vivo y álbumes independientes.

Con su desarrollo expansivo melódico, armonías intrincadas y texturas, J.S. Bach y otros compositores barrocos son parte de la base teórica de sus obras,  Chick Corea es también una gran influencia.

Su música ha dado a luz a lo que podríamos llamar un nuevo género original, el Motoi Sakuraba Sound.

En 1989, él co-compuso "fragoroso" para Pazzo Fanfano di Musica, un álbum tributo japonés al rock progresivo italiano.


En 1989, Sakuraba se convirtió en un compositor residente de Telenet Japón subsidiaria Wolfteam, durante sus cuatro años en la compañía, trabajó en más de cincuenta juegos, a veces solos, pero por lo general con un colaborador.


DARK SOULS PROLOGE. 





BEYOND THE LABYRINTH.





LADYS LAST ROAD.





KID ICARUS.


jueves, 4 de agosto de 2016

Moya Brennan.

Resultado de imagen para Moya Brennan.

Máire Philomena Ní Bhraonáin, conocida como Moya Brennan, nació el 4 de agosto de 1952 en Gweedore, Irlanda, es una cantante de música New age y celta.

Máire Brennan conocida como Moya pertenece al clan Brennan, que ha dado al mundo cantantes como sus hermanas Enya, Bridin Brennan o los Clannad, donde comenzaron Moya y su hermana Enya.

La carrera musical de Clannad fue muy longeva, empezando en el 1972 en la taberna de su padre, junto a dos de sus tios Noel y Padraig Duggan, y sus hermanos Pol y Ciaran Brennan, tiempo después se unió Enya, que abandono el grupo a mediados de los 80.

Moya siguió con su grupo recorriendo todo el mundo, con un estilo mezcla de folclore, celta y pop, hasta que en 1998, con el último disco publicado por Clannad, consiguieron el Grammy (con su disco «Landmarks»), Moya comenzó su carrera en solitario estando todavía en Clannad, en el 1992, con su disco Maire, consiguiendo gran éxito con su single Against The Wind.

Continuó su carrera en solitario con Misty Eyed Adventures en 1994, Perfect Time en 1998, Whisper To The Wild Water en 1999.

Ya en el nuevo milenio, Moya lanza lo que definió como su mejor trabajo, Two Horizons (2003), una gran mezcla de estilos, consiguiendo un enorme éxito y las alabanzas de la crítica, tiempo después, lanza An Irish Christmas (2005/2006), un disco de villancicos, gran deseo de Moya, pues es una mujer muy religiosa.


Signature (2006), con el cual no consiguió el éxito de la crítica ni del público como con Two Horizons, Moya ha colaborado con numerosos artistas, tanto junto a Clannad como en solitario, tales como Bono (U2), Delerium, Ronan Keating, Schiller.


TWO HORIZONS.





TAPESTRY.





 SHOW ME.




FALLING.





I WILL FIND YOU.