lunes, 30 de abril de 2018

Los niños y la música.

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Tras la Primera Guerra Mundial y los horrores atestiguados por los participantes, se comenzó a generar una preocupación y conciencia sobre la necesidad de protección especial para los infantes, una de las primeras activistas sobre este tema fue Eglantyne Jebb, fundadora de la organización Save the Children, la cual con ayuda del Comité Internacional de la Cruz Roja impulsó la adopción de la primera Declaración de los Derechos de los Niños.

En 1954, la Asamblea General de las Naciones Unidas, mediante la resolución 836 (IX) del 14 de diciembre, recomendó que se instituyera en todos los países un Día Universal del Niño y sugirió a los gobiernos que celebraran dicho día en la fecha que cada uno de ellos estimara conveniente.

El Día del Niño es celebrado en diversos países del mundo en diferentes fechas, si bien el día internacional declarado por la Organización de las Naciones Unidas es el 20 de noviembre, en México se celebra el 30 de abril.

La música y el desarrollo infantil.

La música puede ser un vehículo para el desarrollo integral del niño que abarque las áreas cognitiva, social, emocional, afectiva, motora, del lenguaje, así como de la capacidad de lectura y escritura.

La música es un medio de expresión universal, se cree que sus orígenes se relacionan con la propia voz del hombre, los primeros instrumentos musicales aparecieron hacia el año 2500 a.C., en la cultura egipcia. En la Grecia y Roma antiguas, alrededor del siglo V a.C.

Alrededor del siglo V d.C., la era cristiana trajo consigo la aparición de cantos litúrgicos, en la Edad Media aparecieron los cantos gregorianos como la manifestación musical más importante de la época, en los siglos XVII y XVIII apareció la ópera, que con la música instrumental y los grandes compositores de música clásica (Vivaldi, Beethoven, Schubert, Brahms, Mozart y otros), representaron la madurez de la música.

La música comenzó a utilizarse como método terapéutico especialmente en la segunda mitad del siglo XX, debido al reconocimiento de sus efectos sobre el estado afectivo y de atención de los individuos.

Los estudios neuro-anatómicos han demostrado que el hemisferio izquierdo se especializa en el procesamiento del lenguaje y el hemisferio derecho en la percepción y procesamiento de la música.

El cerebro humano funciona por medio de conexiones (sinapsis) que realizan las células cerebrales denominadas neuronas y que son las encargadas de transmitir el impulso nervioso que determina nuestra conducta.

A mediados del siglo XX, un médico otorrinolaringólogo francés Alfred Tomatis, inició una propuesta de rehabilitación dirigida a personas con dificultades auditivas o de lenguaje, su programa terapéutico consistía en la estimulación musical a través de escuchar piezas de Mozart y otros compositores clásicos, obteniendo cambios positivos en la rehabilitación del lenguaje y en el desarrollo del habla, a este efecto se le ha denominado “efecto Tomatis”.

Estudios posteriores han demostrado que el escuchar música de Mozart desencadena cambios de conducta (en relación a estados de alerta y calma), afectividad (induce estados emotivos) y metabólicos (aumento del contenido de calcio y dopamina en el cerebro).

Asimismo, al evaluar los efectos de la música a través de registros de electroencefalogramas, se ha encontrado que la música origina una actividad eléctrica cerebral tipo alfa, todo lo anterior se traduce en lo siguiente: la música (sobre todo la música clásica, de Mozart) provoca:

Aumento en la capacidad de memoria, atención y concentración de los niños.

Mejora la habilidad para resolver problemas matemáticos y de razonamiento complejos.

Es una manera de expresarse.

Introduce a los niños a los sonidos y significados de las palabras y fortalece el aprendizaje.

Brinda la oportunidad para que los niños interactúen entre sí y con los adultos.

Estimula la creatividad y la imaginación infantil.

Al combinarse con el baile, estimula los sentidos, el equilibrio, y el desarrollo muscular.

Provoca la evocación de recuerdos e imágenes con lo cual se enriquece el intelecto.

Estimula el desarrollo integral del niño, al actuar sobre todas las áreas del desarrollo.

Para concluir la música representa un papel importante en el proceso enseñanza aprendizaje de los alumnos (sobre todo los de educación inicial), por lo tanto, los maestros, las instituciones educativas, los padres y el personal de salud, deben conocer los alcances y beneficios que se derivan del empleo de la música como parte importante de la educación integral del menor.

Por alguna razón que nadie conoce, la naturaleza castiga a los niños haciéndolos crecer.

Quiero ser niño de nuevo para volver a vivir...

Les dejo algunas piezas clásicas animadas, una alternativa para descubrir la música de grandes maestros.


JOHANNES BRAHMS - DANZA HÚNGARA NO.5 (LOS TRES COCHINITOS).





ROSSINI - GUILLERMO TELL (EL LLANERO SOLITARIO)





CHOPIN - LA POLONESA "HEROICA" (PAJARO LOCO Y ANDY PANDA)





PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY'S - DANCE OF THE SUGAR PLUM FAIRY (DISNEY)





L.V.BEETHOVEN - SYMPHONY NO. 5 (DISNEY)





CAMILLE SAINT-SAËNS - DANSE MACABRE.





PAUL DUKAS - THE SORCERER'S APPRENTICE (DISNEY)




FRANZ LISZT'S "HUNGARIAN RHAPSODY No. 2 (TOM AND JERRY)




FRANZ VON SUPPÉ - EL POETA Y EL CAMPESINO (ANDY PANDA)




GIOACHINO ROSSINI - EL BARBERO DE SEVILLA.




SERGUEI PROKOFIEV - PEDRO Y EL LOBO.


Muddy Waters.

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McKinley Morganfield, más conocido como Muddy Waters, falleció el 30 de abril de 1983 en Westmont, Illinois, Estados Unidos, fue un músico de blues, generalmente considerado el Padre del Chicago blues.

McKinley Morganfield, “Muddy Waters” nació el 4 de abril de 1913 en el Condado de Issaquena, Misisipi, Estados Unidos, ha sido ubicado en el puesto # 17 de la lista de los más grandes artistas de todos los tiempos realizado por la revista Rolling Stone.

Su figura y su sonido fueron, del mismo modo, una de las máximas inspiraciones para la escena del Blues británico, que comenzó a despuntar en el Reino Unido hacia principios de los años 60

Waters fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la Biblioteca del Congreso en 1940, más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambió de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide, su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo, más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Chicago blues, y B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago".

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente notables, muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de versiones por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country, Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Entre sus admiradores prominentes en la escena Rhythm & blues inglesa de los años 60, sobresalen los Rolling Stones, quienes se bautizaron con ese nombre por la canción de Waters de 1948: "Rollin' Stone", también conocida como "Catfish Blues".

Eric Clapton es un gran admirador de Waters, quien fue una importante influencia en sus años formativos, su banda Cream grabaría una versión de "Rolling and Tumbling" en su álbum debut Fresh Cream, de 1966.

El gran éxito de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready".

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call", "Mannish Boy" o "I've Got My Mojo Working" (compuesta por Preston Foster).

Jimi Hendrix, quien versionaría la mencionada "Rollin' Stone" ("Catfish Blues"), citó a Waters como "el primer guitarrista que le llamó la atención y le impresionó de joven".

Por su parte, el guitarrista y líder de AC/DC, Angus Young, menciona a Muddy Waters como una de sus mayores influencias, y el título de su canción "You Shook Me All Night Long" (del álbum Back in Black), viene del tema "You Shook Me", compuesto por Willie Dixon, y popularizado por Muddy ("You Shook Me" también fue grabado por Led Zeppelin para su álbum debut de 1969).

Su última aparición en vivo fue durante un concierto de Eric Clapton en Florida, en el otoño de 1982.

Muddy Waters murió de ataque al corazón mientras dormía, en Westmont, Illinois, el 30 de abril de 1983, y fue enterrado en el cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.


CHAMPAGNE & REEFER.





GOT MY MOJO WORKIN.





I AM THE BLUES.





CAN'T BE SATISFIED - BREAKIN' IT UP & BREAKIN' IT DOWN.





ROLLIN' STONE (CATFISH BLUES)





BLOW WIND BLOW.





TROUBLE NO MORE.





BABY PLEASE DON'T GO.





I CAN'T BE SATISFIED.




ROLLIN AND TUMBLIN.





I'M YOUR HOOCHIE COOCHIE MAN.




MANISH BOY.





YOU CAN'T LOSE WHAT YOU AIN'T NEVER HAD.


Willie Nelson.

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Willie Hugh Nelson, nació el 29 de abril de 1933 en Abbott, Texas, Estados Unidos, es un compositor, cantante y guitarrista de country.

El abuelo le compró una guitarra cuando tenía seis años, y le enseñó algunos acordes, y con su hermana Bobbie, Nelson cantó canciones gospel en la iglesia local, durante el verano, la familia recogía algodón, pero él prefería ganar dinero cantando en salones de baile, tabernas y Honky Tonks desde los 13 años, sus influencias musicales fueron Hank Williams, Django Reinhardt, Frank Sinatra y Louis Armstrong entre otros.

Escribió su primera canción a los siete años, y cuando tenía nueve, tocaba la guitarra para la banda local Bohemia Polka.

Se unió a la banda de Johnny Bush banda y se trasladó con su familia a Pleasanton, Texas, donde se presentó para un trabajo de disc jockey en la KBOP, el propietario, el Dr. Ben Parker, dio a Nelson el trabajo a pesar de su falta de experiencia, con el equipo de la estación, realizó sus dos primeras grabaciones en 1955: "The Storm Has Just Begun" y "When I've Sung My Last Hillbilly Song".

En los años 50, escribió canciones para otros artistas como "Night Life" y "Family Bible", después de trasladarse a Nashville en 1960, consigue el éxito con composiciones como "Crazy" (para Patsy Cline), "Funny How Time Slips Away" (para Billy Walker), y "Hello Walls" (para Faron Young).

Entre 1962 y 1993 consiguió 20 números uno en las listas de éxitos norteamericanas y llegó a estar entre los diez primeros de las listas con "Touch Me" y "Willingly" en 1964, formó Grand Ole Opry, pero no consiguió entrar entre los diez primeros hasta que en 1975 The Red Headed Stranger, consigue llegar a número uno.

Junto con Waylon Jennings, Tompall Glaser, y Jessi Colter, lanzan: Wanted! The Outlaws Proscribe, que pronto se convirtió en álbum de platino.

Además de su carrera musical, también ha tenido papeles en películas como The Electric Horseman (1979) con Robert Redford, Honeysuckle Rose Songwriter (1980), The Songwriter (1984), Red-Headed Stranger (1987), Wag the Dog (1997), y Half-Baked (1998).


CRAZY.





ALWAYS ON MY MIND.





BLUE EYES CRYING IN THE RAIN.





TO ALL THE GIRLS I'VE LOVED BEFORE.





FUNNY HOW TIME SLIPS AWAY.





MAMMAS DON'T LET YOUR BABIES GROW UP TO BE COWBOYS.





IT'S MY LAZY DAY.





ROLL ME UP AND SMOKE ME WHEN I DIE.


domingo, 29 de abril de 2018

Leroy Carr.

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Leroy Carr, falleció el 29 de abril de 1935, Indianápolis, Indiana, Estados Unidos, fue un cantante, compositor y pianista de blues cuya popularidad y estilo influenció a varios artistas como Nat King Cole y Ray Charles.

Leroy Carr, nació el 27 de marzo de 1905 en Nashville, Tennessee, Estados Unidos, la canción que le hizo famoso fue "How Long, How Long Blues", grabado por la compañía discográfica Vocalion Records en 1928 y para el cual compuso la música.

Colaboró con el guitarrista de jazz Scrapper Blackwell, aportando esta colaboración una influencia urbana distintiva de las voces y guitarras rítmicas de acompañamiento de los músicos blues del Misisipi, Carr fue uno de los primeros músicos de blues del norte de los Estados Unidos de importancia.

La compañía discográfica Vocalion Records le grabó en 1928, siendo un éxito inmediato su primera canción "How Long, How Long Blues", así mismo, en esta canción aparecieron innovaciones como el acompañamiento sofisticado de piano y guitarra.

El éxito de su primera canción propició que se realizaran más grabaciones con la misma discográfica, a pesar de la depresión de la década de 1930, la cual ralentizó el negocio de las grabaciones de discos, el éxito de Carr se mantuvo, llegando a tener en 1934 varias de sus canciones en los primeros puestos de las listas.

A pesar de su corta trayectoria en los estudios de grabación, debido a su muerte, Carr dejó un amplio trabajo relacionado con las grabaciones de blues.

Las colaboraciones que realizó con el guitarrista Blackwell combinaron su piano ligero de blues con una guitarra de jazz melódica que atrajo a la sofisticada audiencia urbana negra, su estilo vocal trasladó el canto del blues hacia una sofisticación urbana e influenció a cantantes como T-Bone Walker, Charles Brown, Amos Milburn, Jimmy Witherspoon y Ray Charles. 

Las canciones de Leroy Carr han sido versionadas por artistas famosos como Eric Clapton, Big Bill Broonzy, Memphis Slim, Count Basie y Jimmy Rushing utilizaron algunas de las canciones de Carr.

Su repentina muerte en 1935, a los 30 años, estuvo rodeada de rumores y misterio; al día de hoy, la mayoría de los historiadores creen que falleció por una inflamación de riñón como consecuencia de su alcoholismo.


PAPA'S ON THE HOUSE TOP.





MEAN MISTREATER MAMA.





YOU GOT TO REAP WHAT YOU SOW.





GETTIN' ALL WET.





IT'S TOO SHORT.





MEMPHIS TOWN.





HOW LONG - HOW LONG BLUES.


Zubin Mehta.

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Zubin Mehta, nació el 29 de abril de 1936 en Bombay, India, es un director de orquesta y desde 1981 es el Director Musical Vitalicio de la Orquesta Filarmónica de Israel.

Su padre fue violinista y director fundador de la Orquesta Sinfónica de Bombay, Zubin fue alumno de la St Mary's High School, Mazagaon, en un principio tenía pensado estudiar medicina, pero finalmente se convirtió en estudiante de música en Viena a los dieciocho años, teniendo como profesor a Hans Swarowski (en aquella academia por el mismo tiempo estaban también Claudio Abbado y el director y pianista Daniel Barenboim).

En 1958 realizó en Viena su debut como director, ese mismo año ganó el Concurso Internacional de dirección musical en Liverpool y fue nombrado director asistente de la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool.

Mehta pronto alcanzó el rango de director principal cuando fue nombrado director musical de la Orquesta Sinfónica de Montreal en 1960, puesto que mantuvo hasta 1967, otros cargos que ocupó fueron el de director musical de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (1962- 1978), de la Orquesta Filarmónica de Nueva York (1978-1991), convirtiéndose en el más duradero en aquel puesto.

La Orquesta Filarmónica de Israel nombró a Mehta en 1969 Consejero musical, en 1977 Director musical, y en 1981 como Director Vitalicio, adicionalmente desde 1998 ha sido también Director Musical del Ópera Estatal de Baviera en Múnich, la Orquesta Filarmónica de Múnich lo nombró Director Honorario.

Hizo giras por su país nativo, India, y su ciudad Bombay en 1984, con la Orquesta Filarmónica de Nueva York, y nuevamente en noviembre y diciembre de 1994 con la Orquesta Filarmónica de Israel, con los solistas Itzhak Perlman y Gil Shaham.

En 1990, dirigió la Orquesta del Maggio Musicale Fiorentino y la Orquesta del Teatro de la Ópera de Roma en el primer concierto de Los Tres Tenores, haciéndolo de nuevo en 1994 en el Dodger Stadium de Los Ángeles.

En junio de 1994, Mehta interpretó el Réquiem de Mozart junto con los miembros de la Orquesta Sinfónica de Sarajevo en las ruinas de la Biblioteca Nacional de Sarajevo, en un concierto a beneficio de las víctimas del conflicto armado y en memoria de las miles de personas asesinadas en las Guerras Yugoslavas.

El 29 de agosto de 1999 dirigió la Sinfonía nº 2 "Resurrección" de Mahler en las cercanías del campo de concentración de Buchenwald, en la ciudad alemana de Weimar, el concierto fue ofrecido por la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera y la Orquesta Filarmónica de Israel, colocándose una al lado de la otra.

En 1997 y 1998 colaboró con el director de cine chino Zhang Yimou en una producción de la ópera Turandot de Puccini que se realizó en Florencia y luego en Pekín, donde fue puesta en escena, en su escenario actual, en la Ciudad Prohibida usando más de 300 extras y 300 soldados, para ocho representaciones históricas, la realización de esta producción fue narrada en un documental llamado The Turandot Project en el que Mehta realiza la narración.

El 26 de diciembre de 2005, con ocasión del primer aniversario del terremoto del océano Índico de 2004, Zubin Mehta junto a la Orquesta Estatal de Baviera tocaron por primera vez en Madrás en la conocida "Academia Musical de Madrás", este concierto especial en memoria del tsunami fue organizado por el consulado alemán de Madrás junto con el Instituto Bhavan/Goethe Max-Mueller, asistieron cerca de 3.000 personas, entre ellos personalidades eminentes como Amartya Sen (laureada con el Premio Nobel de Economía) y el gobernador de Tamil Nadu, Surjit Singh Barnala, también tocaron en Delhi el 28 de diciembre en el Estadio Indira Gandhi. 2006 fue su último año con la Orquesta Estatal de Baviera.

Mehta está casado con Nancy Kovack, una actriz de cine y televisión, su vida ha sido documentada en la película de Terry Sanders Portrait of Zubin Mehta y en un libro de Martin Bookspan y Ross Yockey titulado Zubin: The Zubin Mehta Story.

Desde 2005 es el director titular (junto a Lorin Maazel) del Palacio de las Artes Reina Sofía en la Ciudad de las Artes y de las Ciencias de Valencia.

Mehta es especialmente famoso por sus interpretaciones del repertorio sinfónico post-romántico, especialmente de compositores como Anton Bruckner, Richard Strauss y Gustav Mahler, sus grabaciones de Il Trovatore de Verdi y de Turandot de Puccini han sido especialmente alabadas.

También ha realizado una grabación del Concierto para sitar n° 2 del instrumentista indio Ravi Shankar con el propio Shankar y la Orquesta Filarmónica de Londres, su dirección es renombrada por brillante y poderosa en escena.


BEETHOVEN - SYMPHONY NO. 6





WEBER – CONCERTINO.





BRUCKNER - SYMPHONY No. 8 C MINOR.





GUSTAV MAHLER - SYMPHONY NO 1"BLUMINE”. 




LISZT – MAZEPPA.


Younha.

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Go Yoon Ha “Younha”, nació el 29 de abril de 1988 en Seúl, Corea del Sur, es una cantautora de K-pop, J-pop.

Younha hizo su debut como cantante a la temprana edad de dieciséis años, siendo apodada como “el Cometa de Oricon” por su rápido éxito en Japón.

Ella actualmente ha lanzado ocho sencillos y dos álbumes con diferentes grados de éxito, muchas de sus canciones han formado parte de las bandas sonoras de muchos animes y dramas.

Younha comenzó a componer su propia música recientemente, la canción “Kaerimichi! lanzada en su quinto Sencillo” My Lover” es la primera canción para la cual ella escribió las líricas y compuso la música, además, compuso la música para la canción “Homegirl” lanzada en “Te wo Tsunaide”.

Su primer álbum en coreano titulado (고백하기 좋은  Gobaek Hagi Joeunnal, "El Día Perfecto Para Confesarte que Te Amo"), grabo un vídeo clip para la tercera pista 비밀번호 486 (Bimil Beonho 486 "Contraseña 486") en el que colabora el actor Yoon Ji-hoo, el vídeo ofreció muchos cambios de la imagen para Younha que incluyen su “primer beso”, el álbum también ofrece una colaboración con Wheesung.

Después de que un productor del drama de la Fuji TV oyera su cinta de la versión parcial de su Sencillo “Yubikiri” el cual fue elegido como parte de la banda sonora para el drama de Fuji TV Tokio Wankei ~ Destiny of Love, ella debuto con su Primer sencillo "Yubikiri versión japonesa".


LO QUE TENGO QUE TENER MI CORAZÓN (WASTED).





UMBRELLA.





IT'S OKAY.





I CAN'T BELIEVE IT.





PLEASE TAKE CARE OF MY BOYFRIEND.





THE REAL REASON WHY WE BROKE UP.





RUN.





PASSIONATE TO ME.





MEMORY.





NO ANSWER.


sábado, 28 de abril de 2018

Genaro Salinas.


Genaro Salinas Cardona, falleció el 28 de abril de 1957 en Caracas, Venezuela, fue un tenor y cantante popular mexicano.

Genaro Salinas Cardona, nació el 19 de septiembre de 1918 en Tampico, Tamaulipas, México, desde pequeño demostró dotes para el canto, se inscribió en la academia de canto Giadam de Tampico, donde recibió una instrucción musical adecuada que le permitió aprovechar al máximo las potencialidades de su voz.

En 1939 debuta en un concurso de cantantes aficionados organizado por la emisora radial XES, en el cual obtuvo el primer lugar, fue incluido luego, en el elenco artístico de la XEW, en esta emisora radial fue conocido como “La voz de oro de México”, en 1941, grabó sus primeras canciones para la filial mexicana de RCA Víctor.

En esa época estuvieron de moda en México, las canciones de tipo español en lo que luego se llamó el bolero moruno, al igual que cantantes como Alfonso Ortiz Tirado, Nicolás Urcelay y Néstor Mesta Chaires, Genaro Salinas también abordó este género, con temas de Agustín Lara, tales como “Silverio”, “Cuerdas de mi Guitarra”, “Flor de Sevilla”, "Granada" y "Valencia", entre otras.

El éxito que Genaro logró en México, con su estilo, no dejó de despertar intrigas y envidias entre sus colegas, quienes se rehusaban a compartir con él los escenarios, luego de renunciar a RCA Víctor, Salinas, firmó un contrato con la hoy desaparecida empresa discográfica Peerless, con la que grabó boleros diversos, se conservan algunas grabaciones en vivo en la radio mexicana de piezas como “Perjura”, “Espérame”, “Punto Final”, “Mañana” y “Ondas del Danubio”, en las cuales el tenor abordó con relativa facilidad otros géneros, tales como la danza mexicana y el vals.

1957 se vio empujado hacia el exterior dirigiéndose a Venezuela.

Según relató el periodista Omar Valera, al regresar Salinas a Venezuela, cantó en locales de segunda categoría, se embriagaba con frecuencia y aparentemente trató de acercarse a la actriz Zoe Ducós, quien entonces era la esposa de Miguel Silvio Sanz, funcionario de Seguridad Nacional, la policía de la dictadura del entonces gobernante Marcos Pérez Jiménez, en la mañana del 28 de abril de 1957, fue encontrado agonizante debajo de un puente de la Avenida Presidente Medina de Caracas, con politraumatismos generalizados, falleció ese mismo día, según se cree, la noche anterior, varios funcionarios de la Seguridad Nacional, lo esperaron en lo alto del puente de la avenida, por donde debía pasar a pie para ir a su alojamiento, lo tiraron de lo alto y le pasaron un carro por encima.

A la hora de su muerte, Salinas tenía 37 años y, su estado financiero era precario, afortunadamente, su colega el ya famoso tenor venezolano Alfredo Sadel, se hizo cargo de los gastos de su funeral, Malena de Toledo, quien nunca se divorció del cantante, hizo los trámites para la repatriación del cuerpo del vocalista.


ESTA NOCHE DE AMOR.





TRAICIONERA.





CANCIÓN DEL CORAZÓN.





NO SE.





LA NUMERO CIEN.




MIS NOCHES SIN TI.







ASÍ.


viernes, 27 de abril de 2018

Mstislav Rostropóvich.

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Mstislav Leopóldovich Rostropóvich, falleció el 27 de abril de 2007 en Moscú, Rusia, fue un músico azerbaiyano, considerado el máximo violonchelista de su generación.

Mstislav Leopóldovich Rostropóvich, nació el 27 de marzo de 1927, Bakú, Azerbaiyán, en una familia de músicos, estudió en el Conservatorio de Moscú, desde los dieciséis años, llegó a ser alumno de Dmitri Shostakovich y Serguéi Prokofiev, antes de graduarse con las máximas distinciones académicas, posteriormente trabajaría como profesor en el mismo Conservatorio, desde 1961.

En 1948 ya había sido solista de la Orquesta Filarmónica de Moscú, a partir de 1950 había actuado como violonchelista y como director, había dado asimismo recitales de piano acompañando a su mujer, la soprano Galina Vishnévskaya, tras un tiempo en Moscú, fue nombrado profesor en el Conservatorio de Leningrado.

Había encargado o estrenado obras para violonchelo de los principales compositores contemporáneos, como la Sinfonía concertante en mi menor, opus 125 (1952) de Serguéi Prokófiev, los dos conciertos para violonchelo (1959, 1966) de Dmitri Shostakóvich y la Cello Symphony (1963), la Sonata para violonchelo y piano (1961) y las Suites para violonchelo (1964, 1967, 1971) de Benjamin Britten.

En 1951 recibió el Premio Stalin y después el Premio Lenin, máximo galardón soviético, en 1963, sin embargo defendió de forma pública al escritor Alexander Solzhenitsyn en una carta enviada al diario Pravda en 1970.

En 1974 Rostropóvich y su esposa abandonaron la Unión Soviética al haber sido privado de la posibilidad de dar conciertos y trabajar, en 1978, se les retiró la nacionalidad soviética, emigraron a Estados Unidos y en 1977 fue nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C. que dirigió durante 17 años.

En 1990 fue invitado a actuar con esta orquesta en la Unión Soviética por Mijaíl Gorbachov, ocasión en la que les fue devuelta la nacionalidad soviética a él y a Galina Vishnevskaya, no obstante mantuvo toda su vida los pasaportes de Mónaco y Suiza que eran con los que habitualmente viajaba.

Con el intento de golpe de Estado en la Unión Soviética contra el presidente Gorbachov en agosto de 1991, Rostropóvich fue un activo defensor del proceso de cambio oponiéndose a los golpistas y mostrando su apoyo explícito al mismo Gorbachov y a Borís Yeltsin.

Previamente, en 1989, ya había mostrado su pleno apoyo al proceso de reformas en los países del Este de Europa al tocar el violonchelo frente al Muro de Berlín, el 11 de noviembre de 1989, dos días después de la apertura del Muro, interpretaba “la suite número 2 para violonchelo de Johann Sebastian Bach”, delante de sus ruinas la gente todavía lo estaba demoliendo.

En el año 1995 recibió el Polar Music Prize, un premio concedido por la Real Academia de Suecia de Música, en 1997 le fue concedido junto a Yehudi Menuhin el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia, en 2002 recibió la Condecoración Konex otorgada por la Fundación Konex de Argentina, en 2004 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

El 27 de abril de 2007 falleció en un hospital de Moscú a los 80 años de edad a causa de un cáncer intestinal.


SAINT-SAËNS - PRIÈRE, OP 158.





SCHUBERT - STRING QUINTET 4TH MOV.





GIROLAMO FRESCOBALDI – TOCCATA.





FRIDERIC HANDEL – ARIA.





LUIGI BOCCHERINI - CELLO CONCERTO NO 6 IN D MAJOR.




BACH - SUITE PARA VIOLONCHELO No. 1