jueves, 4 de agosto de 2016

Antonio Machín.

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Antonio Abad Lugo Machín, conocido como Antonio Machín, falleció el 4 de agosto de 1977 en Madrid, España, fue un cantante cubano de boleros y de música popular en general, basó su repertorio en la música cubana y la balada romántica.

Antonio Abad Lugo Machín, nació el 11 de febrero de 1903 en Sagua la Grande, Cuba, intérprete de reconocido prestigio en el ámbito hispanohablante, es famoso por sus recreaciones, de temas como El manisero, Dos gardenias, Angelitos negros, su disco El manisero, grabado en 1930 acompañado por la orquesta de Don Azpiazú para la compañía Victor de Nueva York, constituyó el primer éxito millonario en ventas de la música cubana.

Miembro de una familia pobre (de unos quince hermanos) de la localidad cubana de Sagua la Grande, Antonio trabajó de niño en diversos oficios, fueron sus padres un emigrante español, gallego, José Lugo Padrón, y una negra cubana, Leoncia Machín.

Muy pronto se manifiesta su afición al canto, alternaba su trabajo de joven albañil con el canto en la iglesia, en los teatros y tras la pantalla del cine mudo de su ciudad, llega a unirse hasta tres veces con grupos de músicos ambulantes que pasan por su ciudad camino de La Habana, en 1911, el párroco de Sagua le pone a cantar en su altar mayor, en cierta ocasión, con motivo de una fiesta benéfica, interpreta el Ave María de Schubert subido a una silla: se gana el aplauso de toda la población, al cumplir veinte años manifiesta su deseo de ser barítono y estudiar bel canto y ópera, pero comprende que, dado su color, su repertorio quedaría reducido a Otelo.

Funda un sexteto que hace sus primeras grabaciones en 1929 y a partir de los medios de la época, es decir, las victrolas de cuerda y la radio que empezaba a desarrollarse, el éxito fue inmediato con Aquellos ojos verdes, al que siguió El manisero, en 1930 deja Cuba (adonde no volvería hasta 1958), en abril de 1930 llega a Nueva York, integrando la orquesta de Don Azpiazu.

Marchó a Europa en 1936, tras breve estancia en Londres (actuando en el teatro Adelphya), llega a París, donde la música cubana tenía fuerte presencia desde los años 20, en París forma el grupo Antonio Machín y su Orquesta, con Moisés Simons al piano, realizando a partir de entonces varias grabaciones.

Machín llegó a España, país de su padre, donde vivirá hasta su fallecimiento el 4 de agosto de 1977 en Madrid, España.

Otros de sus primeros éxitos fueron Cómo fue, Moreno, Amor sincero, etc. En 1947 llegaría su gran éxito en España: la "canción moruna" Angelitos negros, convertida en bolero merced al arreglo musical en la década de los sesenta.

Dos compositores importantes en su carrera, fueron el cubano Oswaldo Farrés: autor de temas como Madrecita, Toda una vida, No me vayas a engañar, Quizás, quizás, quizás, Ay de mí... y la mexicana Consuelo Velázquez: autora de Bésame mucho, Será por eso y Amar y vivir.


Mención aparte merece la única versión de la cubana Isolina Carrillo, que convirtió en uno de sus grandes éxitos, Dos gardenias.


ANGELITOS NEGROS.





EL MANISERO.





TODA UNA VIDA.





DOS GARDENIAS.





CORAZÓN LOCO.





CUANDO ME BESAS.


miércoles, 3 de agosto de 2016

Tony Bennett.

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Anthony Dominick Benedeto, más conocido como Tony Bennett, nació el 3 de agosto de 1926, en Queens Estados Unidos, es un cantante y uno de los últimos grandes crooners de mediados del siglo XX, aún en activo con 88 años de edad.

Recordado por éxitos como "Blue Velvet" y "I Left My Heart In San Francisco", su repertorio se basa en estándares o canciones clásicas de la música popular, mayormente baladas y jazz.

Tony Bennett ha sido visto como el eterno rival de Frank Sinatra, si bien se profesaron mutua admiración y grabaron juntos el célebre tema "New York, New York".

En la periferia de New York, comenzó tomando lecciones de música en la calle 52 mientras trabajaba en clubes y programas de radio y televisión.

Comenzó a cantar en el colegio y en el ejército formó parte de varias bandas, en 1944 fue alistado para combatir en Alemania durante la II Guerra Mundial con la 63ª división de infantería, y tomo parte en la liberación del campo de concentración de Landsberg.

Bob Hope lo lanza en 1950 tras sugerirle que cambiase de nombre, Anthony Benedetto pasó entonces a llamarse Tony Bennett, en ese mismo año logró un contrato con CBS, en la que conoce a Percy Faith, que desde entonces será su productor musical, consiguiendo éxitos en el top 10, entre ellos Because of you y Cold, cold heart, Rags to riches y Stranger in Paradise.

Tony Bennett comenzó su fulgurante carrera de baladista influenciado por artistas de la talla de Billy Eckstine o Mel Tormé, sus primeros discos fueron premonitorios de la calidad de su arte vocal y rápidamente surgió la inevitable comparación con Frank Sinatra, este último declaró un día que Tony Bennett era el mejor cantante del mundo, fueron varias las colaboraciones con la orquesta de Count Basie y también son espléndidos los discos arreglados por Ralph Sharon o sobre todo, Ralph Burns.

En 1962, obtuvo dos Premios Grammy en las categorías Grabación del Año y Mejor Interpretación Vocal Masculina como Solista con el tema I Left My Heart in San Francisco, en los setentas y ochentas, colaboró con figuras del jazz, como Jimmy McPartland, Bill Evans, George Benson, Dizzy Gillespie y Dexter Gordon.

Su fórmula para mantener vigencia fue re-versionar a clásicos del jazz como Billie Holiday, Frank Sinatra, Duke Ellington, y Louis Armstrong.

En 1995 le otorgaron otro Grammy, sumando 15 en total más dos premios Emmy.

La cima del canto jazzistico para Tony Bennett llegó en la década de los setenta cuando grabó un disco imprescindible en su carrera para el sello Fantasy con el pianista, Bill Evans, el resultado fue una obra maestra de dos maestros de la balada en un mano a mano, intenso y sin concesiones.

Tony Bennett, también grabó en los años noventa un disco en homenaje a su querido amigo y maestro, Frank Sinatra titulado: "Perfectly Frank" que consiguió un "Grammy" y que es un modelo de equilibrio del canto jazzístico. Bennett, fue un cantante chapado a la antigua, un conformista conservador y que sin embargo fue capaz de grabar un disco en directo para la MTV titulado: "Unplugged" y que encima le salga bueno.

Discografía seleccionada:

1957 — The Beat of My Heart
1958 — Basie Swings, Bennett Sings
1961 — Bennett and Basie Strike up the Band
1962 — At Carnegie Hall
1962 — I Left My Heart in San Francisco
1963 — I Wanna Be Around...
1968 — Snowfall — The Tony Bennett Christmas Álbum
1986 — The Art of Excellence
1990 — Astoria — Portrait of the Artist
2002 — A Wonderful World

2004 — The Art of Romance


I LEFT MY HEART IN SAN FRANCISCO.





THE GOOD LIFE.





WHO CAN I TURN TO-WHEN NOBODY.





JUST IN TIME.





THE WAY YOU LOOK TONIGHT.





THE LADY IS A TRAMP.


James Hetfield.

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James Alan Hetfield, nació el 03 de agosto de 1963 en Downey, California, Estados Unidos, es un músico conocido por ser el vocalista y guitarrista rítmico de la banda de thrash metal METALLICA, además de ser su compositor principal y co-fundador.

James Hetfield, obtuvo el lugar número 87 en la lista Top 100 Greatest Guitarristas en la revista Rolling Stone.

Desde sus raíces un hecho que influyó en Hetfield fue la religión de su familia tenía una religión al margen de la ciencia y del hombre, cuando James era un niño, no podía ir al médico, tomar clases de química o de ciencias relacionadas con el cuerpo humano, para la familia de James, Dios les mandaba las enfermedades y el las curaba, por lo tanto no necesitaban ningún componente externo para ello, esta convicción religiosa tan férrea motivo la rebeldía del chico y su inestable adolescencia.

Su carrera musical comenzó a los nueve años, tocaba el piano frecuentemente con su hermano David, pronto descubrió que lo de él era la guitarra, con esto fundó su primer grupo, Obsesión, formado mayoritariamente por un grupo de amigos, pero esta banda se cayó precipitadamente, aunque tuvo algunos momentos de fama en pequeñas cantidades.

La segunda banda de Hetfield fue Phantom Lord, y como homenaje a ella, el disco Kill 'Em All recoge una canción con el mismo nombre, este grupo pasó posteriormente a llamarse Leather Charm, en este grupo, Hetfield era vocal, dejando las guitarras a otros miembros, ya que la banda había modificado en pequeña medida su composición tras dejar atrás Phantom Lord, es en esta época cuando James toca su primer concierto, como telonero de AC/DC & Aerosmith en Long Beach, California,

Después del abandono del anterior batería, necesitaban uno nuevo, un componente del grupo le presento a Lars Ulrich, pero ya daba lo mismo, los demás componentes no querían seguir con el proyecto de Leather Charm y la banda se desunió.

Hetfield y Ulrich no querían dejar la oportunidad de formar una nueva banda, de esto surgió MetallicA, aparentemente James y Lars son dos personas muy diferentes, pero congenian muy bien en la banda y de esto sale la gran amistad que los une aun hoy en día.

Desde tiempos muy tempranos, James fue el compositor principal de MetallicA, aportando las letras y la mayoría de los riffs que hacen mover la cabeza a medio mundo, en el primer trabajo de la banda, el Kill'Em All, puso parte de la letra y la música a todas las canciones del Lp excepto a (Anesthesia)  Pulling Teeth que fue obra integra de Cliff Burton, su voz en este trabajo es más aguda y con menos entonación que los demás, más acorde con el estilo de Speed Metal que soltaba su guitarra.

En el año 1984 se publica el Ride The Lightning, vuelve Hetfield a colaborar en todas las canciones del álbum, ya sea de forma de letrista o compositor, con algunas diferencias apreciables en la voz así como en el estilo musical, que se puede decir que es un Thrash Metal de libro, con la publicación de Master Of Puppets en 1986 el James siguió con su labor de composición dentro del grupo tal y como lo había hecho en el Ride The Lightning, este fue un año delicado para todo el grupo y en especial para James, debido a la gran amistad que lo unía con Burton, su compañero desaparecido.

A partir de estas fechas Hetfield es, en buena medida, al alma de MetallicA.


THE FOUR HORSEMEN.





FADE TO BLACK.





MASTER OF PUPPETS.





ENTER SANDMAN. 





ONE.





STONE COLD CRAZY.


Eri Nobuchika.

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Nobuchika Eriko, nació en Fukuoka el 3 de Agosto de 1985, es una cantante y compositora de J-Pop, su logotipo fue, desde su debut, es una "mariposa cola de golondrina".

Es una cantautora diferente que canta pop, pero un pop diferente al comercial de la interminable fila de artistas del sello Sony, su música fue Producida por el señor Osawa Shinichi (tambien productor de artistas como UA, Monday Michiru, bird, wyolica entre otros y que actualmente trabaja bajo el sello avex trax).

En el 2007 (a sus 22 años de edad), se volvió la vocalista "principal" para el album debut "quiet life" (lanzado el 5 de Diciembre del 2007 en 2 ediciones con y sin DVD) de la banda "delofamilia", que es el proyecto indie/solista de NAOTO, guitarrista/líder de la gran y famosa banda "ORANGE RANGE", en este disco canta en todos los temas del disco e incluso escribió las letras de los tracks "PAIR", "The end of night", "zip" y "lmrc".

Aunque su éxito fue poco, debido a la diferencia estética de su música a comparación de lo habitual en el mercado Japonés, ella es sin lugar a dudas, una talentosa, trabajadora y amigable artista.


En su blog personal, en el que escribe frecuentemente a cerca de cosas de su vida y como se inspiró al escribir sus canciones, es realmente triste que gente con tanto talento capaz de competir (e incluso superar a figuras y pilares del pop en Japón) pase desapercibida a los oídos del público.


VOICE.





KODOU.





ORIGINAL.





LIGHTS.


martes, 2 de agosto de 2016

Enrico Caruso.

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Enrico Caruso, falleció el 2 de agosto de 1921 en Nápoles, Italia, fue un tenor y el cantante más popular en cualquier género durante los años 1920 y uno de los pioneros de la música grabada.

Enrico Caruso, nació el 25 de febrero de 1873 en Nápoles, Italia, su gran éxito de ventas y una voz extraordinaria, aclamada por su potencia, belleza, riqueza de tono y técnica superlativa, le convierten en uno de los más famosos cantantes de ópera de todo el siglo XX.

En su barrio inició su carrera cantando en las misas y en los cafés callejeros, fue el tercero de siete hermanos; recibe de su madre la educación primaria.

Desde muy pequeño trabaja por las mañanas como mecánico; asiste por las tardes a la escuela del Coral para practicar el canto; la primera ocasión que ejecuta un solo, será en la Iglesia de San Severino, en Nápoles, a los quince años de edad sufre la muerte de su madre y su padre vuelve a casarse; tres años después comienza sus estudios de vocalización musical con el maestro Guglielmo Vergine.

El 2 de febrero de 1895, ejecuta la Traviata y Rigoletto en la Catedral de Caserta, pero hace su debut oficial como cantante de ópera en el Teatro Nuevo de Nápoles; cantó en teatros de Nápoles, Caserta, Salermo y El Cairo, su gran éxito fue en Milán en 1898, en la interpretación del papel de Loris en Fedora, del compositor Umberto Giordano.

Algún tiempo después apareció en San Petersburgo, Roma, Lisboa y Montecarlo, donde su interpretación en La Bohème de Giacomo Puccini, acompañado por Nellie Melba, le ayudó a obtener reconocimiento internacional, debutó en el Covent Garden de Londres con Rigoletto, de Giuseppe Verdi.

En 1903 cantó por primera vez en el Metropolitan Opera House de Nueva York, de nuevo en Rigoletto, su repertorio constaba de más de cuarenta óperas, casi todas italianas, interpretó papeles en Adriana Lecouvreur del compositor italiano Francesco Cilea, y La fanciulla del West, de Puccini, es famosa su interpretación de Canio en Pagliacci, de Ruggero Leoncavallo.

Fue uno de los primeros intérpretes que grabó para fonógrafo, lo que contribuyó a su reconocimiento mundial, cantó por última vez el 24 de diciembre de 1920, en el Metropolitan Opera House, después de sufrir una severa afección en la garganta, en enero de 1921, se ve obligado a suspender su magnífica gira, para someterse de urgencia a una delicada operación, de la que apenas se recupera.

En 1987 la National Academy of Recording Arts and Sciences le galardonó, a título póstumo, con un Grammy.


Enrico Caruso falleció en Nápoles el 2 de agosto de 1921 de una pleuritis (Inflamación de la pleura debida, generalmente, a una infección del aparato respiratorio).


AMOR TI VIETA-FEDORA.





MATTINATA.





PAGLIACCI-RUGGERO LEONCAVALLO.


Carlos Chávez.

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Carlos Antonio de Padua Chávez y Ramírez, falleció el 2 de agosto de 1978 en México, D. F.  fue un compositor, director de orquesta, profesor y periodista, también fue fundador de la Orquesta Sinfónica de México.

Carlos Antonio de Padua Chávez y Ramírez, nació el 13 de junio de 1899 en Popotla cerca de la capital de México, a la muerte de su padre cuando sólo contaba cinco años, fue educado por su madre Juvencia, directora de la Escuela Normal de Jóvenes Mujeres de Popotla.

A los 9 años, Carlos había empezado a tomar clases de piano con su hermano Manuel y estudió brevemente con Asunción Parra.

En 1910, estudia con Manuel Ponce, el principal compositor mexicano de aquel tiempo, cinco años después, Chávez conoció a Pedro Luis Ogazón, el hombre a quien después le atribuiría su formación musical, Ogazón fue quien introdujo la música de Debussy en México, en 1903; y en su relación con Chávez, le inculcó la teoría de armonía de Juan Fuentes, viajó por Europa, donde descubrió a Stravinsky y Schönberg.

En el año 1928 le nombran director del Conservatorio Nacional de México y crea y dirige la Orquesta Sinfónica de esta ciudad hasta 1949, en 1960 fundó el taller de compositores en el Conservatorio Nacional.

En sus obras más características, como el ballet El fuego nuevo (1921) y la Sinfonía india (1935), estrenada por el autor con la Orquesta Sinfónica de Boston, empleó los ritmos palpitantes, el carácter melódico y la percusión de la música tradicional mexicana.

Su obra tardía, en especial la música de cámara, guarda poca relación con la música popular, Chávez se propuso una expresión musical de origen prehispánico pero por no disponer de documentación lo condujo a una estética evocadora de la atmósfera de aquellas culturas.

En otro tipo de obras, Chávez quiso plantear los problemas sociales de la actualidad mexicana, así produjo la Sinfonía proletaria o Llamadas en 1934, la Obertura republicana en 1935 y El Sol, corrido mexicano (1962)


Entre otras obras destacan Los cuatro soles (1926) y Xochipilli, Macuilxóchitl (1940), los 10 preludios para piano estrenados en la Agrupación Nueva Música de Buenos Aires, el ballet La hija de Cólquide (1944), la ópera Pánfilo y Lauretta (1956) y la Sinfonía de Antígona (1930).


SINFONÍA INDIA.





SINFONÍA No 4 "SINFONÍA ROMÁNTICA"  (1/2)





TOCCATA MOV 1.
       




SINFONÍA NO.1 "SINFONÍA DE ANTÍGONA"






EL TRÓPICO (FINAL) - PÁRAMO DE ECOS


Joe Lynn Turner.

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Joe Lynn Turner, nació el 2 de agosto de 1951 en Hackensack, New Jersey, E.U, es un vocalista de hard rock y heavy metal conocido por haber sido parte de las bandas Rainbow, Rising Force y Deep Purple.

Joe Lynn Turner, primero ganó notoriedad como guitarrista/vocalista con la banda de New Jersey Fandango entre 1977 y 1980.

El trabajo de Joe en Fandango llamó la atención del renombrado guitarrista de Deep Purlpe, Ritchie Blackmore, que estaba en la búsqueda de un cantante para su banda Rainbow.

En 1980, JLT recibió una llamada de teléfono de un asistente de Blackmore, luego del "llamado del destino" Joe se encontró con Blackmore en un estudio de grabación en Long Island, NY, al final de la audición Joe ya estaba escribiendo y grabando con Rainbow como su nuevo vocalista.

Rainbow siempre fue popular alrededor del mundo, pero Blackmore quería conquistar el mercado de los Estados Unidos, y con Turner a bordo como su nuevo frontal, eso es exactamente lo que hicieron, con JLT, Ritchie encontró un cantante versátil, un cantante que tenía la habilidad musical de adaptarse a una balada, como también material de rock más pesado.

En lo más alto de la carrera de Rainbow en 1984, Ritchie Blackmore disuelve su grupo para reformar Deep Purple con Roger Glover (que también estaba enrolado en Rainbow).

En 1988 JLT se une al virtuoso guitarrista Yngwie Malmsteen y graba "Oddyssey", turner llevó a la banda hasta Rusia para 10 shows con localidades agotadas, los resultados aparecieron en la continuación de Oddyssey, en "Live in Leningrad" (en vivo en Leningrado).

En 1990 JLT se unió con sus compañeros de Rainbow, Blackmore y Glover de nuevo en Deep Purple, "Slaves and Masters" fue editado ese año, su primer single  la gema AOR, King of Dreams  recibió una gran difusión en radios y la Mtv, Deep Purple recorrió el mundo para promover el álbum, con JLT como cantante la banda pudo resucitar en concierto clásicos como Burn y Hush.

Joe editó su grabación más personal "Nothing Changed" aclamado por la crítica y los fans, desde 1997, Turner ha editado un album cada año, en el 2000 se convirtió en miembro y propietario de "Voices of Classic Rock" (VCR) un sello de grabación y grupo de actuaciones en vivo.

En el 2002 JLT y su compañero de VCR, Glenn Hughes (Deep Purple/Black Sabbath) grabaron el "Hughes Turner project" (HTP), HTP reunió a dos generaciones de vocalistas de Deep Purple y recibió reseñas entusiastas de los fans y los medios.

Casi un cuarto de siglo desde Fandango, Joe Lynn Turner continúa grabando y recorriendo el mundo, involucrándose en emocionantes y variados proyectos musicales.


STONE COLD.





BLOOD RED SKY.





SPOTLIGHT KID.





 BLOOD ON BLOOD.





HIGHWAY STAR.





KING OF DREAM.


lunes, 1 de agosto de 2016

Joe Elliott.

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Joseph Thomas Elliott Jr. nació el 1 de agosto de 1959 en Sheffield, Reino Unido, es un cantante, músico y compositor conocido por ser el vocalista de la banda de hard rock/heavy metal británica Def Leppard.

En el año de 1977, Joe conoce al guitarrista Pete Willis, que lo invita a adicionar para la banda Atomic Mass, en la que fue contratado, luego, ante sugerencia del mismo Elliott, la agrupación cambia su nombre a Deaf Leopard (que traduce "Leopardo Sordo").

De allí en adelante, Joe se convierte en el nuevo líder de la agrupación, en contraposición a la costumbre de las bandas Punk de la época de usar nombres de animales, años después Elliott expulsa de la banda a Pete pues su consumo de alcohol estaba afectando su emergente carrera, posterior a esto llegaría Phil Collen, quien es miembro de la formación actual de la banda.

Difícilmente encontrarán alguna historia más tortuosa y caótica en la historia del rock que la de este grupo de Sheffield, sin embargo y pese a la gran cantidad de adversidades, drogas, alcohol y excesos en todos los sentidos siempre se las han arreglado de una u otra forma para salir avante.

Formado a finales de los 70, Def Leppard, es contemporáneo de bandas rockeras de la época,  como Motley Crue, Kiss, Poison, entre otras.

Sin embargo la vida los llevó a darle más dramatismo a su historia.

Su disco "Pyromania", del 83, vino a catapultar el género metal-pop en los 80 y abrió el mercado para grupos de rock que esperaban forjarse un camino en una década fuertemente dominada por el pop.

Con sencillos como "Photograph", "Foolin" y "Rock of Ages", el éxito empezaba a sonreírles, pero el último día del año 1984, el baterista Rick Allen sufrió un accidente automovilístico donde perdió el brazo izquierdo.

Con una fuerte depresión, Allen abandonó el grupo hasta que se le convenció de regresar, entre otras razones por la realización de un kit de batería especial adaptado a su nueva condición, donde podía utilizar ambos pies.

En el 87 llegó el disco más importante de la banda, el cual vendió varios millones de copias y cuyos sencillos tales como "Pour Some Sugar on Me", "Animal", "Love Bites", "Hysteria", "Rocket" y "Armageddon It", han sido interpretados en cada concierto desde entonces, el álbum "Hysteria" es hoy en día todo un clásico del rock.

Fue en esos momentos, cuando la carrera del grupo se encontraba en su mejor momento, que vino la segunda tragedia, después de estar seis meses separado de la banda por problemas de alcoholismo, Steve Clark fue encontrado muerto en su departamento a causa de una sobredosis.

Aunque el vocalista Joe Elliot siempre ha sido el corazón del grupo, Clark, como guitarrista se había convertido en el principal compositor y el motor musical que logró el sonido que los hiciera tan reconocidos.

El futuro era incierto, pero los miembros restantes decidieron seguir con la banda, en 1992 lanzaron "Adrenalize", el cual contaba con algunas composiciones de Clark y, como si fuera un augurio, el disco contenía el último gran himno de Def Leppard, "Let's Get Rocked".

A Clark se decidió remplazarlo con el guitarrista proveniente de Whitesnake, Vivian Campbell, quien a pesar de nunca llenar el hueco, curiosamente realizó dos de las mejores composiciones en los últimos años para la banda: "Work it out" y "Cruise Control".

A mediados de los 90 lanzaron dos colecciones: "Retro Active" de lados B, así como "Vault", con sus grandes éxitos.

Para 1996 Def Leppard enfrentaba una difícil prueba: el primer disco de material completamente nuevo sin ninguna aportación de Clark, el resultado fue un disco alternativo llamado "Slang"; el álbum se llevó grandes comentarios de la crítica especializada pero no encontró eco en las nuevas generaciones dominadas por los remanentes del grunge y los mejores años del brit pop, el disco por tanto, fue una decepción en ventas.

La popularidad del grupo empezó a descender así como la demanda para sus presentaciones, su disco "Euphoria", del 99, fue un último intento fallido por alcanzar las glorias pasadas evocando el mismo sonido y cerrando la trilogía formada por "Pyromania", "Hysteria" y "Adrenalize".

Cuando la banda se acercaba a una etapa sombría, sorpresivamente en 2001 salió al aire el programa de VH1 llamado "Hysteria: The Def Leppard Story", el episodio era una recreación de los primeros años del grupo, la emotiva historia de Allen para sobreponerse al accidente, regresar y alcanzar el mayor éxito con sus compañeros, trajo al programa los mayores ratings de audiencia, incluso el capítulo se lanzó en DVD.

Tratando de ganar algo de este nuevo aire de atención, se embarcaron en un nuevo proyecto musical, su décimo disco, al que pusieron por nombre "X", el álbum les reportó las peores ventas en su carrera.

Sin otra cosa a la cual aferrarse y después de una trayectoria de altibajos, parecía que la banda había llegado al ocaso de su carrera.

Sin embargo, a Def Leppard le quedaba todavía un segundo, tercer, cuarto aire, en mayo del 2011 se comenzó a trabajar en la adaptación en cine del exitoso musical "Rock of Ages", protagonizada por Tom Cruise como el rockstar Stacee Jaxx.

La cinta, ambientada en el Hollywood de los 80, contiene canciones de grupos como Poison, Foreigner, Journey, Twisted Sister y por supuesto Def Leppard, incluso el nombre de la adaptación es el título de un track del grupo inglés.


ARMAGEDDON IT.





LET'S GET ROCKED.





ANIMAL.





LOVE BITES.





PHOTOGRAPH.





LETS GET ROCKED.





POUR SOME SUGAR ON ME.




HYSTERIA.


domingo, 31 de julio de 2016

Franz Liszt.

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Franz Liszt, falleció el 31 de julio de 1886 en Bayreuth, Alemania, fue un compositor húngaro romántico, virtuoso pianista y profesor, su nombre en húngaro era Liszt Ferencz, según el uso moderno Liszt Ferenc, y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt.

Franz Liszt, nació el  22 de octubre de 1811 en Raiding, Austria, se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete, sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos.

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Franz Liszt, también fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.

Compositor y pianista húngaro, su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música, virtuoso sin par, durante toda su trayectoria, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente dividido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio.

Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Héctor Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini, la audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso, desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después.

Su carrera musical mientras tanto proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.

Los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos conciertos para piano y orquesta, fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso pianista,  para centrarse en la creación y la dirección.

Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858, se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt como empezó a ser conocido desde aquel momento, perdió su afición a los placeres terrenales.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extra-musical, sea éste literario o pictórico.

Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss, no menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena, todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

El 31 de julio de 1886 falleció el genio Franz Liszt.

HUNGARIAN RHAPSODY NO 2.  





PIANO CONCERTO NO. 1 IN E FLAT.





HUNGARIAN RHAPSODY NO. 6 IN D-FLAT MAJOR.





CONCERT STUDY IN D FLAT MAJOR "UN SOSPIRO"





PIANO SONATA IN B MINOR - PART 1





ANNÉES DE PELERINAGE BOOK 1.





PAGANINI ETUDE NO.4





PAGANINI  ÉTUDE NO. 6 IN A MINOR





DANTE (INFIERNO).




YEARS OF PILGRIMAGE "LE MAL DU PAYS No. 8





LIEBESTRAUM - LOVE DREAM.