Kenneth
Spearman Clarke, falleció el 26 de enero de 1985 París, Francia, fue un
baterista estadounidense de jazz.
Kenneth
Spearman Clarke, nació 9 de enero de 1914, en Pittsburgh, Pensilvania, Estados
Unidos, músico altamente influyente ayudó a definir la batería dentro del
bebop, fue el primero en cambiar el ritmo que controlaba la entrada y salida
desde el tambor bajo hacia el címbalo, una innovación que ha sido copiada y
utilizada por un número incontable de baterías desde principios de la década de
1940.
Durante su
etapa escolar, Clarke tocaba el vibráfono, el piano y el trombón, además de la
batería, tras tocar con Roy Eldridge (1935) y la Jeter-Pillars band, Clarke se
unió a la Big Band de Edgar Hayes (1937-1938), hizo su grabación de debut con
Hayes y demostró ser uno de los baterías con más swing de la época, una gira
europea con Hayes le proporcionó a Clarke la oportunidad de liderar su propia
sesión, siguieron colaboraciones con las orquestas de Claude Hopkins (1939) y
Teddy Hill (1940-1941) y después dirigió la banda del Minton's Playhouse (en la
que estaba Thelonious Monk).
Las
legendarias sesiones after-hours estuvieron llenas de bop y fue durante esta
época que Clarke modernizó su estilo y recibió el apodo de
"Klook-Mop" (más tarde abreviado como "Klook") debido a las
'bombs' irregulares que tocaba más allá de los solistas.
Batería
flexible, Clarke tuvo todavía la posibilidad de participar con las orquestas
tradicionales de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald (1941), y con los combos de
Benny Carter (1941-1942), Red Allen and Coleman Hawkins, también grabó con
Sidney Bechet, sin embargo, tras su servicio militar, Clarke se centró en el
campo del bebop, trabajando con la big band de Dizzy Gillespie y dirigiendo su
propia sesión moderna.
Co-escribió
"Epistrophy" con Monk y "Salt Peanuts" con Gillespie,
Clarke trabajó a finales de la década de 1940 en Europa, estuvo con Billy
Eckstine en Estados Unidos en 1951 y fue miembro original del Modern Jazz
Quartet (1951-1955), no obstante, se sintió demasiado atado a su música y
abandonó el Modern Jazz Quartet para trabajar de forma libre, participando en
multitud de grabaciones durante 1955 y 1956, sobre todo con Miles Davis.
En 1956,
Clarke se marchó a Francia donde se asentó, colaboró con todas las estrellas
americanas que se acercaron de gira a Europa y tocó con Bud Powell y Oscar
Pettiford en un trío llamado The Three Bosses (1959-1960), Clarke fue co-líder
con Francy Boland de una legendaria big band, el Kenny Clarke/Francy Boland Big
Band, formada por grandes estrellas (1961-1972), después de 1968, Kenny Clarke
trabajó durante 10 años con el clarinetista y compositor francés Jean-Christian
Michel.
Miguel Ángel
Mateos Sorrentino, nació el 26 de enero de 1954 en Buenos Aires, Argentina,
lideró ZAS, una de las bandas más populares de comienzos de la década de los
'80s, luego de la edición del disco "Rockas vivas", inició una
carrera como solista.
Con Carlos
García López en guitarra y Cachorro López en el bajo viajaron a Estados Unidos
para grabar "Solos en América" (1986), que fue presentado en una gira
por Latinoamérica de donde comenzó el excepcional éxito que tendría Mateos como
solista.
Con
"Atado a un sentimiento" (1987) se terminó de consolidar en el
mercado latino de Estados Unidos y Centroamérica, con apoyo de la MTV
International, Mateos radicó en Miami, donde editó tres discos solista.
En 1994
volvió a tocar en Buenos Aires, sin el éxito arrollador de otras épocas, las
canciones que quedarán en el recuerdo son las de sus primeros discos.
Junto a su
hermano Alejandro, Ureta, Maselli, Daniel Castro en bajo y Ariel Pozzo en
guitarra, en 1998 editó "Bar imperio".
"Salir
Vivo" fue grabado en vivo durante las presentaciones de la gira
"Argentinitos" y se trata de un disco doble con los mejores éxitos de
toda su carrera, también se editó un DVD con imágenes de los recitales, lanzó
"Uno" en 2005 y en 2008 "Fidelidad".
Jonathan
Larson, falleció el 25 de enero de 1996 en Nueva York, Nueva York, Estados
Unidos, fue un autor teatral famoso por introducir importantes temas sociales
como el multiculturalismo, la adicción y la homofobia en sus trabajos. ¡Sus dos
obras son Tick, tick... Boom! y Rent.
Jonathan
Larson, nació el 4 de febrero de 1960 en White Plains, Nueva York, Estados
Unidos.
Tick, tick …
Boom! cuenta la historia autobiográfica de Jonathan Larson (Jon en el texto)
que parece tener un futuro prometedor, pero poca suerte. El joven neoyorquino
se encuentra en un gran dilema cerca de cumplir los 30 años, preocupado por
tomar la decisión correcta respecto a la carrera que deberá desempeñar en la
vida.
Aunque el
espectáculo es original de Larson, presenta algunas referencias y similitudes
con Company, obra escrita por su ídolo y mentor, Stephen Sondheim (1930-). Sin embargo,
el toque de Larson es evidente, y a través de una sencilla anécdota nos lleva a
su mundo, un mundo cruel, lleno de imperfecciones y muy real, que refleja el
Nueva York de los años `90.
Tick,
tick... Boom! se estrenó en 1990 en el Teatro Second Stage (en el Off Broadway)
y en noviembre de 1991 en el New York Theatre Workshop. Entonces se llamó
"30/90 un monólogo rock " y fragmentos de "Superbia" una
obra futurista que tomaron en cuenta para el monólogo, ambas con una fórmula
teatral innovadora en aquellos tiempos.
Después de
la muerte de Larson en 1996, la productora Victoria Leacock solicitó a David
Auburn (autor y ganador del premio Pulitzer por Proof) que reconfigurara la
pieza, convirtiéndolo de un monólogo a un espectáculo de tres actores en
escena. En este sentido, la estructura es curiosa y creativa, ya que un solo
actor interpreta a Jon durante todo el Show, mientras los otros dos interpretan
a un número mayor de personajes, además de esto se logró hacer el libreto más
compacto, entendible y ejecutable en un solo acto.
Las mejoras
de Auburn consolidan una propuesta significante y más acorde al género, pero
respetando las ideas originales. Y es que cuando Larson presentó el show
original, lo hizo con toda la intención de atraer al joven productor Jeffrey
Seller para que invirtiera en sus trabajos. Seller se convirtió en el fan
número uno de los trabajos de Larson, de hecho, fue quien promovió con gran
fuerza hasta lograr trasladar Rent a Broadway. Esto puede plantear un problema
en cuanto a la autoría real del texto y es que efectivamente, aunque el texto
teatral es una versión de Auburn, tanto el libreto original, las letras de las
canciones y la letra de las mismas son del propio J. Larson.
En 1989 un
escritor de obras llamado Billy Aronson tuvo la idea de escribir un musical
actual basándose en "La Bohème". Quería crear un musical inspirado en
la ópera de Giacomo Puccini, en el que el "exquisito esplendor" del
mundo de Puccini sería reemplazado con el ruidoso Nueva York moderno.
En 1989,
Aronson le contó a Ira Weitzman su nueva idea con la intención de pedirle ayuda
para encontrar colaboradores, y Weitzman puso a Larson en contacto con Aronson
para que colaborara con el nuevo proyecto.
A Larson se
le ocurrió el nombre de Rent como título del musical y sugirió que situaran la
obra en el centro de Nueva York en lugar del Upper West Side (un barrio de
Nueva York situado entre parque Central y el río Hudson), en donde Larson y sus
compañeros de cuarto habían vivido en un departamento ruinoso. Durante un
tiempo, sus compañeros y él tuvieron una estufa de madera ilegal debido a la
falta de calefacción en su edificio; Larson también había salido durante cuatro
años con una bailarina que solía dejarlo por otros hombres y, eventualmente, lo
dejó por una mujer. Estas experiencias influyeron en los aspectos
autobiográficos de Rent. Larson quería escribir sobre su propia experiencia y,
en 1991, le preguntó a Billy si podía usar el concepto original en el que
habían estado trabajando para hacer de Rent algo suyo. Llegaron a un acuerdo en
el que, si Rent llegaba a Broadway, Larson compartiría los ingresos con
Aronson. Eventualmente decidieron no ubicar el musical en el barrio SoHo ―en
donde Larson había vivido―, sino en Alphabet City, en East Village.
Rent comenzó
como una lectura dramática en 1993 en el Taller de Teatro de Nueva York,
seguido por una producción de estudio que duró en escena tres semanas, un año
después. Sin embargo, la versión que ahora es conocida mundialmente ―resultado
de un proceso de colaboración y edición entre Larson, los productores y el
director―, no fue presentado públicamente antes de la muerte de Larson. El
espectáculo se presentó fuera de Broadway en la fecha prevista.
Los padres
de Larson (quienes de todas formas habían volado para ver el estreno), dieron
su bendición en la apertura. En honor a la muerte de Larson, el día anterior al
estreno oficial, el elenco acordó cantar la obra completa únicamente sentados
detrás de las tres mesas de utilería que estaban en escena, pero para el
momento en el que llegaron a la canción de La Vie Boheme, la energía había
alcanzado tal grado que el elenco no pudo contenerse más y continuaron con el
resto del espectáculo como estaba montado originalmente ―sin vestuarios y con
el consentimiento del público y los padres de Larson―. Una vez finalizado el
espectáculo, hubo un largo aplauso seguido por un silencio que fue quebrado por
un miembro del público quien gritó ¡Gracias, Jonathan Larson!
Rent llevó a
cabo sus presentaciones con entradas agotadas y grandes multitudes. Finalmente
se tomó la decisión de presentar el espectáculo en Broadway y abrió sus puertas
al público en el Nederlander Theatre el 29 de abril de 1996.
Por su
trabajo en Rent, Larson fue premiado con el "Pulitzer Price for
Drama", el Premio Tony por mejor musical, el "Mejor Guion
Musical" y "Best Original Score"; el "Drama Desk
Award" por libreto musical sobresaliente, el "Drama Desk Award"
por música sobresaliente, y el "Drama Desk Award" por letra
sobresaliente; el "New York Drama Critics Circle Award" por mejor
musical; el "Outer Critics Circle Award" por mejor musical en la
categoría de obras fuera de Broadway; y tres premios "Obie" por
"guion sobresaliente", "letra sobresaliente" y "música
sobresaliente".
A mediados
de enero de 1996, a falta de una semana del estreno, se ensayaba "What You
Own" cuando Jon se desvaneció. Fue llevado al hospital, donde se le
diagnosticó una intoxicación de estómago. Algo que habría comido. Más tarde, el
propio Jonathan les explicaba a sus amigos lo increíble que le resultaba que la
última canción que hubiese escuchado, "What You Own", fuese la
canción que él compuso sobre morir al final del milenio... Un par de días
después, ante un incidente parecido los médicos dijeron que Jon tenía gripe.
La noche del
25 de enero de 1996, el día antes del primer pase privado oficial, Jonathan
Larson acudió al ensayo final de vestuario de Rent. Un periodista del New York
Times acudió a entrevistarle. Era el 100 aniversario de la Boheme. Nadie se
había dado cuenta antes de entonces. Off-the-record, el periodista le comentó a
Jon que la obra era ―en su opinión― un maravilloso éxito. Cansado, Jon volvió a
casa. Calentó un poco de agua para el té y murió. Padecía síndrome de Marfan y
sus indisposiciones eran los síntomas de un fatal aneurisma de aorta.
Rent se
convirtió en uno de los mayores éxitos de Broadway, representándose a lo largo
del mundo con idéntico resultado... Incluyendo su adaptación cinematográfica
gracias a Chris Columbus.
Edwin
Fischer, falleció el 24 de enero de 1960 en Zúrich, Suiza, fue un pianista y
director de orquesta, se lo considera como uno de los más grandes pianistas del
Siglo XX, particularmente en el repertorio alemán tradicional de compositores
tales como J. S. Bach, Mozart, Beethoven y Schubert, y además como uno de los
mejores pedagogos del estudio de piano.
Edwin
Fischer, nació el 6 de octubre de 1886 en Basilea, Suiza en donde comenzó a
estudiar música. Continuó sus estudios en el Conservatorio Stern, en Berlín,
bajo la tutela de Martin Krause, quien a su vez había sido discípulo de Liszt.
Se convirtió en una eminencia del piano luego de la Primera Guerra Mundial.
En 1926 fue el
director del Musikverein de Lübeck y luego dirigió en Múnich. En 1932 formó su
propia orquesta de cámara y fue uno de los primeros en interesarse en presentar
la música de las épocas Barroca y Clásica de forma históricamente exacta y
aunque sus interpretaciones no lo fueron precisamente para los estándares
actuales, sí que lo fueron en su tiempo; por ejemplo, dirigió conciertos de
Bach y Mozart desde el teclado, lo que en ese momento era de lo más inusual.
Sus interpretaciones de Bach y Handel, eran concebidas de manera romántica, con
un amplio uso de la dinámica, pero extremadamente irresistible.
En 1932
volvió de nuevo a Berlín, donde sucedió a su gran contemporáneo Artur Schnabel
como profesor en la Berlin Hochschule für Musik. En 1942 se trasladó de nuevo a
Suiza, donde puso su carrera en suspenso durante la Segunda Guerra Mundial.
Después de la guerra, comenzó a actuar nuevamente y a la vez a dar clases
magistrales en Lucerna, a las cuales asistieron muchos pianistas posteriormente
prominentes, como Alfred Brendel, Helena Sá e Costa, Paul Badura-Skoda, Mario
Feninger y Daniel Barenboim entre ellos.
Fischer realizaba
recitales en solitario, en concierto y como director de trabajos orquestales,
también tocaba música de cámara. En particular, fue excelentemente considerado
el trío de piano que formó con el violonchelista Enrico Mainardi y el
violinista Georg Kulenkampff (quien fue reemplazado por Wolfgang Scheneiderhan
luego de su muerte).
Publicó
varios libros sobre enseñanza, así como también uno sobre las sonatas para
piano de Beethoven, realizó bastantes grabaciones, incluyendo el primer
registro completo de El clave bien temperado de Bach, para EMI, entre 1933 y
1936. Entre otras grabaciones clásicas de Fischer están los conciertos para
teclado, obras misceláneas para solista de Bach, como la Fantasía cromática y
Fuga, varios conciertos y sonatas de Mozart y Beethoven, la Fantasía Wanderer y
los Impromptus de Schubert y el segundo concierto de Brahms, dirigido por
Wilhelm Furtwängler.
Las
grabaciones con importancia histórica de Fischer han sido reeditadas en CD por
EMI y por sellos especializados como APR, Music & Arts, Pearl y Testament.
Las de los conciertos KV 453, 466, 482, 491 y 503 (en sol mayor, re menor, mi
bemol mayor, do menor y do mayor) son particularmente destacables, sobre todo
las tres últimas, con la inspirada y poderosa dirección de John Barbirolli,
Lawrence Collingwood y Josef Krips, en 1935, 1937 y 1947, respectivamente.
También
acompañó a Elisabeth Schwarzkopf en un renombrado álbum de lieder de Schubert
en los primeros años de la década de 1950. Su última colaboración musical fue
con la violinista Gioconda de Vito. Durante sus sesiones de grabación para las
sonatas pata violín números 1 y 3 de Brahms tuvo que ir a Londres para llevar a
cabo un tratamiento médico; allí le dijeron que estaba gravemente enfermo.
Murió en Zúrich poco después.
A partir de
mediados de los años cincuenta, y debido a problemas de artritis, abandonó
paulatinamente los recitales y giras. Compuso piezas para piano y cadencias
para conciertos de autores como Mozart y Beethoven. Realizó una gran labor como
editor de la obra para teclado de Bach y Mozart y escribió algunos ensayos
sobre música, entre los que destacan Johann Sebastian Bach: eine Studie (1947)
o Musikalische Betrachtungen (1949; traducido al inglés en 1951 con el título
de Reflections on Music).
Friedrich
von Flotow, falleció el 24 de enero de 1883 en Darmstadt, Alemania, fue un compositor recordado especialmente
por su ópera Martha, muy popular a finales del siglo XIX y principios del XX,
pero que hoy en día se representa muy rara vez.
Friedrich
von Flotow, nació el 27 de abril de 1812 en Mecklemburgo,Alemania.
Flotow nació
en una familia aristocrática. Estudió en el Conservatorio de París, donde
recibió la influencia de Daniel Auber, Gioacchino Rossini, Giacomo Meyerbeer,
Gaetano Donizetti, Jacques Halévy, Charles Gounod y Jacques Offenbach. Estas
influencias se perciben en sus óperas, que tienen un sabor a ópera cómica
francesa.
Terminó la
composición de su primera ópera, Pierre et Cathérine, en 1835, pero su primer
éxito fue Le naufrage de la Méduse (1839). Ese mismo año, colaboró con el
compositor Albert Grisar para la obra L'eau merveilleuse (1839). Años después,
en 1847, se estrenó en Viena su obra más popular, Martha.
En total,
Flotow compuso 29 óperas, que han sido traducidas al italiano, francés e
inglés, especialmente en los primeros años del siglo XX. Otra de sus obras que
alcanzó cierta popularidad es Alessandro Stradella.
Entre 1856 y
1863, fue nombrado intendente del teatro de la corte en Schwerin. Pasó el resto
de su vida entre París y Viena.
Flotow
también es autor de obras instrumentales y canciones. Falleció en Darmstadt a
la edad de 70 años.
Neil Leslie
Diamond, nació el 24 de enero de 1941 en Brooklyn, Nueva York. E.U. es un
cantante, compositor, guitarrista, actor y productor.
Sus
composiciones en diversos géneros musicales como el rock, R&B, folk, pop,
country, gospel, jazz, funk, reggae, balada, entre otros, han influido a
artistas tales como: The Monkees, Elvis Presley, U2, Frank Sinatra, The Ventures,
UB40, Julio Iglesias y Johnny Cash
Diamond
nació y creció en Brooklyn, Nueva York. Su padre fue Akeeba Diamond quien era
judío-polaco y su madre Rose Rapapport, judía-rusa quienes se dedicaron al
negocio de las lavanderías, progresando y obteniendo varias tiendas en
Brooklyn. Estudió la secundaria en el colegio Abraham Lincoln, donde demostró
su marcado interés por la música.
Comenzó
componiendo canciones a los 16 años, tras comprar una guitarra, inspirado por
una visita a su escuela del cantante y autor folk Pete Seeger, siendo
"Hear Them Bells" su primera canción.
Neil asistió
a la Erasmus Hall High School y a la Abraham Lincoln High School, donde recibió
su diploma de escuela secundaria, y fue miembro del equipo de esgrima. Después
cursó estudios en la Universidad de Nueva York con una beca de la esgrima,
perteneció en 1960 al NCAA men's championship team y realizaba ejercicios de
esgrima antes de sus conciertos.
Quiso ser
médico, pero durante su último año en la universidad, una editorial de música
le ofreció escribir canciones por $ 50 a la semana, lo que dio inició a su
camino hacia el estrellato. Treinta y cinco años después, en 1995, la
Universidad de Nueva York le dio un título honorífico.
Sus inicios
en el mundo de la música tuvieron lugar cuando tan sólo contaba 10 años, ya que
era el cantante de un grupo infantil llamado Memphis Backstreet Boys, aunque a
los 13 años cambió de estilo al hacer música folk con el grupo Roadrunners. A
los 16 años, cuando le regalaron su primera guitarra, compuso su primera
canción "Hear Them Bells". Unos años después, Neil Diamond firmó un
contrato discográfico con la compañía Sunbean Music como compositor, trabajo en
el que le pagaban 50 dólares semanales.
En 1961 se
casó con Jaye, y un año después nació su hija, Marjorie. En 1964 conoce a Jeff
Barry y Ellie Greenwich. En ese año nace su hija Elyn. De este periodo son las
canciones "Solitary Man" "Cherry Cherry" y "Girl,
You´ll Be a Woman Soon".
En 1966
edita su primer album titulado "The Feel Of Neil Diamond". Después
del lanzamiento de éste, Neil comienza a dar a sus canciones un estilo más
personal, lo que a su compañía discográfica "Bang" no le gusta por lo
que surgen conflictos. Un año después sale a la venta su segundo album
"Just For You". Ese mismo año firma un nuevo contrato con la
discográfica MCA. Sus problemas en el trabajo desembocan en la ruptura de su
matrimonio. Neil continúa con su trabajo y conoce a Marcia Murphy con la que el
4 de diciembre de 1968 se casa. Dos años después tienen su primer hijo, Jesse.
Ese año
obtiene un gran éxito en Europa con una canción titulada "Clackin´
Rosie". En 1971 tiene lugar su primer Tour Europeo, visita Inglaterra y Alemania.
En 1972 lanza su álbum "Tap Root Manuscript", que incluye su
"African Trilogy". Es contratado por la compañía discográfica
Columbia por 4 millones de dólares. Un año después le conceden un Grammy como
mejor compositor a la mejor partitura original por la banda sonora de la
película Juan Salvador Gaviota (Jonathan livingston Seagull).
En 1975 Neil
comienza a preparar un nuevo álbum, "Beautiful Noise", que saldrá al
mercado un año después. De nuevo comienza a dar conciertos, en Australia y
Nueva Zelanda. Para esta gira forma una banda de músicos que le acompañaron
durante muchos años. A la vuelta realiza su primer especial para televisión y
se comercializó un vídeo del concierto titulado "Love at the Greek".
Además, sale un álbum en vivo con el mismo nombre, producción de Robbie
Robertson.
En 1978
aparece el álbum "You Don´t Bring Me Flowers" en el que aparece la
colaboración de Barbra Streisand. Ese mismo año, nace su cuarto hijo,
"Micah". Dos años después aparece como protagonista en la película
"The Jazz Singer" (El cantor de Jazz), de la que compone la letra y
la música.
En 1981 edita su disco, titulado "On The Way To
The Sky". Tres años
después lanza el álbum titulado "Primitive". En 1986, lanza su nuevo
disco "Headed For The Future", en el que colabora Stevie Wonder. En
1988 aparece su nuevo trabajo "The Best Years Of Ours Lives". En los últimos meses de 1989, actúa
en Europa. Un año después, la Academia América le concede el premio Award de la
música por su contribución musical durante más de 25 años.
En 1991
edita nuevo disco, "Lovescape". En él colabora la cantante Kim
Carnes. Comienza una gira por Estados Unidos. En el año 1992, lanza "The
Christmas Album" y en 1994 edita un doble CD en directo, recogido durante
la gira 1991-1993 por America. Un año después le es otorgado un premio
honorario por la Universidad de Bellas Artes de Nueva York. En 1996, pone a la
veta "Tennesse Moon", un album de estilo country.
En 1998 pide
el divorcio de su esposa Marcia Murphy y lanza nuevo trabajo, "The Movie
album, As Time Goes By". Entre este año y el siguiente, tiene lugar nueva
gira mundial que recorre los Estados Unidos, Europa y Australia. Aparece su
nuevo disco "As Time Goes By The Movie Album" en ese mismo año, un
álbum doble con temas famosos de películas como " Titanic ", "
Moonriver ", " Casablanca ", " Ghost " entre otras. En
2008, su "Home Before Dark" entra en el primer lugar de ventas en
Estados Unidos y Gran Bretaña, y el 29 de agosto de 2009 se pone a la venta
"Hot August Night/NYC" situándose en el puesto número 2 de la lista
de los 200 álbumes más vendidos de la revista Billboard.
El 23 de
enero de 2018, Neil Diamond, anunció su retirada de los escenarios tras haber
sido diagnosticado de Parkinson: "Con gran reticencia y decepción anuncio
mi retirada de los conciertos", dijo Diamond, que cumplió 77 años al día
siguiente.
Discografía.
1966 The Feel of Neil Diamond
1967 Just For You
1968 Neil Diamond's Greatest Hits
1968 Velvet Gloves and Spit
1969 Brother Love's Traveling Salvation Show
1969 Touching You, Touching Me
1969 Holly Holy
1970 Gold
1970 Shilo
1970 Tap Root Manuscript
1970 Do It!
1971 Stones
1972 Moods
1972 Hot August Night
1973 Double Gold
1973 Rainbow
1973 Jonathan Livingston Seagull (soundtrack)
1974 His 12 Greatest Hits
1974 Serenade
1976 Beautiful Noise
1976 And the Singer Sings His Song
1977 Love at the Greek
1977 I'm Glad You're Here With Me Tonight
1978 Early Classics
1978 You Don't Bring Me Flowers
1979 September Morn
1980 The Jazz Singer (soundtrack)
1981 On the Way to the Sky
1981 Love Songs
1982 12 Greatest Hits, Volume II
1982 Heartlight
1983 Classics: The Early Years
1984 Primitive
1986 Headed For the Future
1987 Hot August Night II
1988 The Best Years of Our Lives
1991 Lovescape
1992 The Greatest Hits: 1966-1992
1992 Glory Road: 1968-1972
1992 The Christmas Álbum
1993 Up on the Roof: Songs From the Brill Building
1994 Live in America
1994 The Christmas Álbum - Volume II
1996 Tennessee Moon
1996 In My Lifetime
1998 The Movie Álbum: As Time Goes By
1999 The Best of The Movie Álbum
1999 The Neil Diamond Collection
1999 20th Century Masters: The Millennium Collection
2001 Three Chord Opera
2001 The Essential Neil Diamond
2002 Love Songs (different version)
2002 Play Me: The Complete Unix Studio Recordings
Plus!
