jueves, 30 de noviembre de 2017

Billy Idol.

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William Michael Albert Broad, mejor conocido como Billy Idol, nació el 30 de noviembre de 1955 en Stanmore, Reino Unido, es un músico de rock.

Armó su primer grupo en 1976 al que bautizó con el nombre de Chelsea, la idea le duró poco tiempo, pero trajo consigo su nombre artístico: Billy Idol, durante este período, Idol decidió convertirse en músico, y formó su propia banda, Generation X, en 1976, se convirtió en vegetariano porque quería parecerse a David Bowie.

Generation X firmó con Pando Records y sacaron al mercado tres álbumes de éxito antes de disolverse.

Idol se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar como artista en solitario, y trabajando con Steve Stevens, logró pronto un gran éxito en la MTV con temas como White Wedding y Dancing with Myself que ya había sido grabado con Generation, el segundo disco de Idol, "Rebel Yell" (1984), fue un éxito en las listas, haciendo a Billy Idol alcanzar el estrellato en Estados Unidos con temas como "Eyes without a face", "Flesh for Fantasy", y el propio "Rebel Yell".

No sería hasta 1986 cuando Idol presentara un nuevo álbum, "Whiplash Smile", este LP alcanzó un excelente número de ventas, con éxitos como "To be a Lover", "Don't need a Gun", y "Sweet Sixteen" (este último con fuerte sabor country" y "Mony Mony", con enorme éxito en la cadena MTV.

Poco antes de sacar su siguiente disco, "Charmed Life", en 1990, Idol experimentó un accidente de motocicleta en el que casi pierde una pierna. Charmed Life fue un rotundo éxito con canciones como Cradle of Love el tema principal de la película Ford Fairlane, Grabaría su aparición en el video clip fotograma a fotograma por la falta de movilidad tras el accidente, iIdol tenía como proyecto actuar en el filme "The Doors" de Oliver Stone, este tenía reservado para él un papel importante pero debido al fatal accidente y su larga recuperación todo quedaría en un pequeño cameo como Cat.

Desgraciadamente, su siguiente disco, "Cyberpunk" (1993) fue un fracaso de ventas en Estados Unidos.

Un "Greatest Hits", así como su participación se interpretaba a sí mismo en 1998 en la comedia romántica "The Wedding Singer" (con Adam Sandler y Drew Barrymore), en la que el tema principal era su mítico "White Wedding", le devolvieron la popularidad, además, apareció en VH1 Storytellers, y vendió más de medio millón de copias en los Estados Unidos con un nuevo Greatest Hits en 2001, en el que aparecía una versión inédita de Idol del "Don't You Forget About Me" de Simple Minds.


Con su disco "Devil's Playground", que salió a la venta en marzo de 2005, vuelve al mundo del álbum de estudio tras casi 12 años alejado de él.


MONY MONY.





CRADLE OF LOVE.





DANCING WITH MYSELF.





REBEL YELL.






EYES WITHOUT A FACE.





SWEET SIXTEEN.





WHITE WEDDING.


Medina.


Medina- Danielle Oona Valbak, nació el 30 de noviembre de 1982 en Århus, Dinamarca, es una cantante de pop, R&B y dance.

Hija de padre chileno y madre danesa, debutó en 2007 con su primer álbum Tæt På, en 2008 Medina alcanzó éxito en su país natal, además de Alemania, Escandinavia con la canción "Kun for mig" que se encontró en la lista oficial de las canciones más populares en Dinamarca durante 52 semanas y ocupó el primer lugar durante seis, fue la canción más vendida en Dinamarca y la cuarta canción más tocada en las radios durante 2009.

En 2009 Medina lanzó su segundo álbum, Velkommen Til Medina, que incluye éxitos como "Kun for mig", "Ensom" y "Vi to", al año siguiente, lanzó la versión en inglés de su álbum, llamado Welcome to Medina, y que obtuvo gran éxito en Europa y EE. UU. con temas como "You and I", "Addiction" y "Gutter".

En 2011 lanzo su disco For Altid que cuenta con los sencillos "For Altid", "Synd for Dig", "Kl. 10", "12 Dage" y "Lyser I Mørke", los tres primeros fueron directo al N°1 en Dinamarca, los otros sencillos fueron lanzados en 2012, y se convirtieron en potenciales top 10, lo que la terminó consolidando como una de las artistas más exitosas en la historia de su país natal.

En 2011, también resultó ganadora del premio "Mejor acto danés" para los MTV Europe Music Awards 2011, lográndolo por segunda vez y llegando a competir para el premio de "Mejor Artista Europeo" junto a los otros ganadores regionales.

En el año 2012 liberó su disco Forever, versión en inglés de su anterior álbum, el cual incluye 10 temas inéditos y tres traducciones: Forever (For Altid), Happening (Kl. 10) y Black Lights (Lyser I Mørke), el primer single del álbum fue la canción "Forever",

En 2014 liberó su primer álbum en vivo, titulado Tæt På - Live, el cual incluye una canción inédita titulada "Jalousi", la cual logró estar por cuatro semanas en el número uno de las listas danesas, a su vez, en mayo de ese año liberó un EP llamado "Arrogant", en el cual explora sonidos más urbanos en lugar de sus característicos sonidos bailables y electrónicos, este fue lanzado por sorpresa y fue directo al primer puesto de ITunes en su país, actualmente se encuentra trabajando en su nuevo álbum de estudio.


ADDICTION.





FOR ALTID.




Kl. 10.





YOU AND I.





VI TO.





JALOUSI.






WE SURVIVE.




YOU AND I.


Rika Matsumoto.

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Rika Matsumoto, nació el 30 de noviembre de 1968 en Yokohama, Japón, es una seiyū japonesa y cantante de J-pop.

Rika es mejor conocida por dar voz a Satoshi (Ash Ketchum), el personaje principal de la serie de anime Pokémon (Pocket Monsters), es uno de los miembros originales del grupo JAM Project.

Rika, tiene un gran historial participando dentro del anime

"Get a Dream" (Opening de Sunrise Eiyuutan/Sunrise Eiyuutan R)
"Alive A life" (Opening de Kamen Rider Ryuki)
"Mezase Pokémon Master" (Opening de Pokémon)
"Rival!" (Opening 2 de Pokémon)
"OK!" (Opening 3 de Pokémon)
"Challenger!" (Opening 2 de Pokémon: Advanced Generation)
"Battle Frontier" (Opening de Pokémon: Battle Frontier)
"SPURT!" (Opening 2 de Pokémon: Battle Frontier)
"High Touch!" (Opening 2 de Pokémon: Diamond and Pearl, interpretado junto a Megumi Toyoguchi)
"Best Wishes" (Opening 1 de Pokémon: Best Wishes)
"Be an arrow" (Opening 2 de Pokémon: Best Wishes)
"Xtreme Turbo" (Opening de Hot Wheels The Anime Series)
Algunos Trabajos como seiyū
Bakura Ryou - Yu-Gi-Oh!
Haro - Gundam V
Hayami Naoki - Cutie Honey
Hyuga Kojiro (child) - Captain Tsubasa Road to 2002
Kaite - Trigun
Kiyohei - Hanada Shounens-hi
Koashura - Yu Yu Hakusho
Satoshi (Ash Ketchum) - Pocket Monsters
Persian - Pokémon - Mewtwo Returns
Kujou Reiko - Detective Conan
Nataku - X
Sinunora - Gun Frontier
Sonia Field - City Hunter
Antonio Garcia - Hot Wheels The Anime Series
Ayaka KidaNKAsaragi - Phantom Quest Corp (Yuugenkaishya)
April - Sol Bianca
Bikky - Fake
Chihiro - Pretty Sammy
Guramu - Shamanic Princess
Japoro - Shamanic Princess
Hibiki - Boku no Marie
Jinno Hazumi - Bakuen Campus Guardress
Kei - Dirty Pair Flash
Kesley Uruga - Princess Minerva
Lemonpai - Idol Fight Suuchiipai 2
Matsumoto Youta - Tokumu Sentai Shinesman
Oozora Nozomu - Moldiver
Prettz - Final Fantasy: Legend of the Crystals
Satoh Tomoe - Roujin Z
Saga de Películas Pokémon, con un total de 16.

Videojuegos
Asahina Mutsuki - Haunted Junction (Playstation)
Ichimonji Tsukasa - Suchipai Mecha Gentei-Ban (Sega Saturn)
Jounai Reika - My Dream/On Air ga Matenakute (Playstation, Sega Saturn)
Takizawa - Doki Doki Pretty League (Playstation)
Tsukasa - Su-Chi-Pai Adventure Doki Doki Nightmare (Playstation, Sega Saturn)
Souma Akio - Meguri Aishite (Playstation)
Tachibana Reika - Su Chi Pai (Playstation, Sega Saturn)
Ricarla Borgnine - Super Robot Wars Alpha (Playstation), Super Robot Wars Original Generations (Playstation 2)
Mule Moscow - Mahou Shoujo Fancy Coco (Playstation)
Mizuki - Shin Samurai Spirits (Neo Geo)

Ogata Shizuka - Friends Seishin no Kagayaki (Sega Saturn)


POKÉMON XY OPENING 3 – VOLT.





MAGICAL BEAT.





WAIT.





MEZASE POKEMON MASTER.


miércoles, 29 de noviembre de 2017

Giacomo Puccini.


Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo María Puccini, falleció el 29 de noviembre de 1924, en la Región de Bruselas, Bélgica, fue un compositor italiano de ópera, considerado entre los más grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX.

Giacomo Puccini, compositor italiano nació el 22 de diciembre de 1858, Lucca, Italia, heredero de la gran tradición lírica italiana, pero al mismo tiempo abierto a otras corrientes y estilos propios del cambio de siglo, Puccini se convirtió en el gran dominador de la escena lírica internacional durante los primeros decenios del siglo XX.

No fue un creador prolífico: sin contar algunas escasas piezas instrumentales y algunas religiosas compuestas en su juventud, doce óperas conforman el grueso de su producción, cifra insignificante en comparación con las de sus predecesores, pero suficiente para hacer de él un autor clave del repertorio operístico y uno de los más apreciados y aplaudidos por el público.

En 1863, el pequeño Giacomo, pese a no haber demostrado un especial talento músico, fue destinado a seguir la tradición familiar, por lo que empezó a recibir lecciones de su tío Fortunato Magi, con resultados poco esperanzadores.

Fue a la edad de quince años cuando el director del Instituto de Música Pacini de Lucca, Carlo Angeloni, consiguió despertar su interés por el mundo de los sonidos, Puccini se reveló entonces como un buen pianista y organista cuya presencia se disputaban los principales salones e iglesias de la ciudad.

En 1876, la audición en Pisa de la Aida verdiana constituyó una auténtica revelación para él; bajo su influencia, decidió dedicar todos sus esfuerzos a la composición operística, aunque ello implicara abandonar la tradición familiar, sus años de estudio en el Conservatorio de Milán le confirmaron en esta decisión, Amilcare Ponchielli, su maestro, lo animó a componer su primera obra para la escena: Le villi, ópera en un acto estrenada en 1884 con un éxito más que apreciable.

Con su tercera ópera, Manon Lescaut, Puccini encontró ya su propia voz, el estreno de la obra supuso su consagración, confirmada por su posterior trabajo, La bohème, una de sus realizaciones más aclamadas, en 1900 vio la luz la ópera más dramática de su catálogo, Tosca, y cuatro años más tarde la exótica Madama Butterfly.

Sin embargo, a pesar de su éxito, tras Madama Butterfly Puccini se vio impelido a renovar un lenguaje que amenazaba con convertirse en una mera fórmula, con La fanciulla del West inició esta nueva etapa, caracterizada por conceder mayor importancia a la orquesta y por abrirse a armonías nuevas, en ocasiones en los límites de la tonalidad, que revelaban el interés del compositor por la música de Debussy y Schönberg, en la misma senda, el músico de Lucca promovió la renovación de los argumentos de sus óperas, se distanció de los temas convencionales tratados por otros compositores y abogó por un mayor realismo.

Todas estas novedades contribuyeron a que sus nuevas óperas, entre ellas las que integran Il trittico, no alcanzaran, pese a su calidad, el mismo grado de popularidad que sus obras anteriores.

Su última ópera, la más moderna y arriesgada de cuantas escribió, Turandot, quedó inconclusa a su muerte, la tarea de darle desenlace, a partir de los esbozos dejados por el maestro, correspondió a Franco Alfano.


TURANDOT - NESSUN DORMA.





LA BOHÈME - DONDE LIETA USCÌ.




TOSCA - RECONDITA ARMONIA.





MADAME BUTTERFLY - UN BEL DI VEDREMO.





MADAME BUTTERFLY - CORO A BOCCA CHIUSA.




GIANNI SCHICCHI - O MIO BABBINO CARO.





LA BOHÈME - MUSETTA'S WALTZ SONG.




TOSCA - E LUCEVAN LE STELLE.




PRELUDIO SINFÓNICO.


George Harrison.


George Harrison, falleció el 29 de noviembre de 2001 en Los Ángeles, California, Estados Unidos, fue un guitarrista, compositor y miembro fundador de los Beatles.

George Harrison, nació el 25 de febrero de 1943 en Liverpool, Inglaterra, desde pequeño, escuchaba todo tipo de música por la radio, desde el viejo music-hall británico hasta el country de Hank Williams, a los trece años le compró a un amigo su primera guitarra, por algo más de tres libras, por entonces se hizo amigo de Paul McCartney, con quien realizaba el mismo trayecto diario en autobús, Paul le presentó a John Lennon, con quien formaba el grupo The Quarrymen.

George se uniría a ellos más tarde, ya que entonces era demasiado joven (catorce años), Paul era nueve meses mayor, y John le llevaba dos años, por entonces, estaba enamorado de Fats Domino, Elvis Presley y del rock, aunque lo que tocaba era skiffle: una especie de rockabilly en el que la percusión consiste en una escobilla frotando una tabla de fregar, y cuyo máximo ídolo era Lonnie Donegan.

Harrison participó en la primera formación de los Beatles, con quienes trabajó durante años en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania), la historia emprendió el vuelo cuando, en 1962, el mánager Brian Epstein les consiguió un contrato con EMI y grabaron, con George Martin de productor, Love me do, durante esa sesión fue expulsado el batería Pete Best, su sustituto, Ringo Starr, se convertiría en uno de los mejores amigos de George hasta el final de sus días.

En pocos meses, el grupo se convirtió en un fenómeno de masas en Gran Bretaña, y en 1964 en el grupo favorito de América con I want to hold your hand. La película A hard day’s night, estrenada el mismo año, hizo de la beatlemanía un fenómeno mundial.

La primera canción de George que apareció en un disco de los Beatles fue Don’t bother me, del segundo álbum, Meet the Beatles, pero sus composiciones no tuvieron apenas salida hasta años más tarde, su contribución como guitarra solista al sonido de la banda fue, sin embargo, decisiva, sus punteos afilados y melódicos, herederos de Chet Atkins y Carl Perkins, y su acompañamiento vocal a las armonías de Lennon y McCartney fueron sus señas de identidad más características.

Harrison, aportó tres temas al clásico Revolver, entre ellos Taxman, y experimentó con instrumentos inéditos en el mundo del pop, como el sitar indio (él fue el introductor de Ravi Shankar en Gran Bretaña), enamorado de la música y la religión hindúes y gran aficionado al LSD, participó activamente en Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967), probablemente el disco más famoso de la historia, que dio el fogonazo de salida al verano del amor, al hippismo y a la psicodelia, compuso While my guitar gently weeps, una de las canciones más bellas del álbum conocido como “doble blanco”, para Abbey Road (1969) aportó dos de sus mejores composiciones: Here comes the sun y Something, el primer single de los Beatles no firmado por Lennon-McCartney, que fue número uno en ventas en Estados Unidos.

Poco después de la separación oficial de la banda, publicó el triple All things must pass (1970), con material acumulado durante años, fue favorecido como una obra maestra y contenía el éxito My sweet lord, una oda al Hare Krishna que fue el primer número uno en ventas logrado por un beatle en solitario, años más tarde, sin embargo, tuvo que pagar una cuantiosa multa por ese tema, acusado de ser un plagio involuntario del She’s so fine de The Chiffons.

En 1971 impulsó el Concierto por Bangladesh, junto con Bob Dylan, Eric Clapton y Ringo Starr, entre otros, del cual se hicieron una película y otro triple disco, sin embargo, el dinero recaudado estuvo retenido casi una década por culpa de las disputas legales acumuladas por los Beatles.

A pesar de las tremendas expectativas creadas, el material publicado por Harrison en los años setenta no fue de gran nivel: discos como Living in the material world, publicado en 1973, Dark horse (nombre también de la discográfica que fundó en 1974) o 33 & 1/3 (1976) estaban claramente por debajo de All things must pass.

A mediados de los años setenta se separó de Patti, que lo abandonó por su amigo Eric Clapton (un hecho muy publicitado por la prensa, aunque ambos nunca abandonarían su amistad), poco después se casó con su segunda y última esposa, Olivia Arias, que le dio su único hijo, Dhani, nacido en 1978, ese mismo año impulsó la productora cinematográfica Handmade Films, nacida para sacar adelante la película La vida de Brian, de los Monthy Python, la compañía se convirtió en una importante referencia del cine alternativo británico en la década de los ochenta, aunque fracasó en su intento de ampliar mercados con la fallida Shanghai Surprise (1986), con Madonna y Sean Penn, y acabó en venta.

Harrison se alejó de la vida pública tras el asesinato de Lennon en 1980, y publicó la autobiografía I me mine en 1982, volvió a la actualidad musical con el gozoso Cloud nine (1987), uno de sus mejores discos, que contenía el éxito Got my mind set on you, a continuación se sumó al curioso proyecto The Traveling Wilburys, un supergrupo junto a Bob Dylan, Tom Petty, Jeff Lynne y Roy Orbison, publicaron dos discos, Volume I (1988) y Volume III (1990, Orbison, fallecido, fue sustituido por Del Shannon), llenos de optimismo y buenas melodías.

En 1992 publicó el directo Live in Japan, que sería su último disco en solitario en vida, en 1995 se reunió con los otros dos beatles para grabar sus voces encima de dos canciones inéditas de Lennon, Free as a bird y Real love, pero por enésima vez se descartó el regreso de la banda, con su característico sarcasmo, Harrison declaró: Los Beatles no se reunirán mientras John siga muerto.

En 1999, un desequilibrado irrumpió en su mansión en Oxfordshire, en el sur de Inglaterra, y lo apuñaló en el pecho, pudo escapar a la muerte gracias a que su mujer redujo al desconocido con una lámpara, en sus últimos días, George no dejó de crear música, grabó su última canción un mes antes de su muerte, A horse to water, coescrita con su hijo Dhani, y que fue publicada la misma semana en que se despidió del mundo con el mensaje: Amaos los unos a los otros.

El 29 de noviembre de 2001, George Harrison murió rodeado de su mujer y su hijo en casa de un amigo en Los Ángeles, California, su lucha contra el cáncer le había llevado a varias intervenciones en clínicas de Suiza y Estados Unidos, desde que se le detectó un tumor en la garganta en 1997.

Mientras el mundo iniciaba el duelo y miles de aficionados se reunían en lugares emblemáticos de la memoria beatle -los estudios Abbey Road, en Londres, los Strawberry Fields de Nueva York o el local The Cavern, en Liverpool.

Su pérdida conmocionó a generaciones enteras en todo el mundo, sólo un año después de que los Beatles volvieran al número uno de ventas con el recopilatorio Anthology, su legado en la obra de la banda más famosa del mundo y dentro de la música rock es indiscutible.


El carácter retraído y a veces esquivo de George le valió el apodo del beatle silencioso, serio, o incluso místico, por su afición a las religiones orientales, en oposición a la exuberancia y el magnetismo de sus compañeros de banda, sin embargo, a su muerte, sus amigos recordaron principalmente su humanidad, su cáustico sentido del humor y su capacidad para disfrutar de la vida y de aficiones mundanas como la jardinería y los coches deportivos.


MY SWEET LORD.




WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS.




GIVE ME LOVE (GIVE ME PEACE ON EARTH).





WHAT IS LIFE.





BLOW AWAY.





SOMETHING.




TAXMAN.




ALL THOSE YEARS AGO.




GOT MY MIND SET ON YOU.




HERE COMES THE SUN.


Silvio Rodríguez.


Silvio Rodríguez Domínguez, nació el 29 de noviembre de 1946 en San Antonio de los Baños, Cuba, es un cantautor, guitarrista y poeta cubano, exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución cubana, conocida como la Nueva Trova Cubana, que comparte con otros reconocidos cantautores tales como Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú.

Su infancia se desarrolló durante la transición del gobierno de Fulgencio Batista y el inicio de la Revolución cubana, colaborando para esta última desde sus inicios como educador, dibujante, escritor, compositor, militar y político.

Comenzó su carrera musical ejerciendo como conductor de televisión, para luego integrarse al Grupo de Experimentación Sonora dirigido por Leo Brouwer, y finalmente consolidándose como solista.

Con más de cuatro décadas de carrera musical, ha escrito al menos quinientas cuarenta y ocho canciones y publicado una veintena de álbumes, siendo uno de los cantautores de mayor trascendencia internacional del habla hispana.

Acabando el siglo XX, fue elegido en su país junto a Ernesto Lecuona como el mejor compositor cubano del siglo, mientras que a nivel internacional fue galardonado, junto a Joan Manuel Serrat, como el mejor cantautor hispanoamericano de la segunda mitad de siglo y en 1997 como Artista Unesco por la Paz.

En el siglo XXI, por su parte, recibió el premio ALBA de 2010, además de recibir el grado de doctor Honoris Causa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos del Perú, la Universidad Veracruzana de México y la Universidad Nacional de Córdoba de Argentina.

De acuerdo con diversos rankings musicales, entre los discos más relevantes del cantautor pueden mencionarse algunos de los primeros, tales como Al final de este viaje (1978), Unicornio (1982), Mujeres (1978), Días y flores (1975) y Rabo de nube (1980).

El debut musical de Rodríguez hacia el público general se efectuó el martes 13 de junio de 1967 en el programa de televisión Música y estrellas, al cual asistió como invitado de su conductor musical Mario Romeu, en dicha ocasión Silvio interpretó sus temas Es sed, Sueño del colgado y la tierra y Quédate, esta última canción aparecería mucho más adelante en su álbum Expedición, del año 2002.

A mediados de 1968, participó en el Festival de la Canción Protesta, festival internacional organizado por la Casa de las Américas (fundada y dirigida por Haydée Santamaría), donde coincidió nuevamente con Milanés y Nicola.

Su primer EP, Pluma en ristre, conformado por cuatro canciones, tales como la conocida Canción del elegido, además de Balada de Elpidio Valdés, Canción de la Columna Juvenil del Centenario, Canción de la nueva escuela.

En 1974, Silvio comenzó a grabar en el estudio de grabación de la Orquesta EGREM lo que sería su primer álbum oficial, que se lanzaría en 1975 bajo el nombre de Días y flores.

En 1976, se alistó como combatiente en las brigadas internacionalistas cubanas para participar en la Guerra Civil Angoleña, en medio de la invasión del apartheid sudafricano en Angola, Rodríguez estuvo en dos ocasiones en el frente de combate, colaborando como músico para las tropas cubanas y angoleñas.

En una España ya sin dictadura, grabó su segundo disco oficial, Al final de este viaje, este álbum se lanzó en 1978 e incluye algunas de sus primeras canciones, como Ojalá, La era está pariendo un corazón y Canción del elegido.

También en 1978 aparece Antología, su segundo disco recopilatorio, donde aparecen los temas Mariposas, retomado para el álbum homónimo de 1999; El papalote, publicado en su álbum Érase que se era, y El rey de las flores grabado por la cantante Soledad Bravo en su álbum Canciones de la nueva trova cubana.

Su siguiente disco, Mujeres, apareció a fines de ese año, y también está grabado solo con su guitarra, aunque con una técnica más depurada, este álbum, dedicado a la mujer en general, es uno de los favoritos del cantautor por su fuerte carga nostálgica, a este trabajo pertenecen los temas Qué hago ahora, Y nada más y A dónde van.

En 1980 se lanzó Rabo de nube, su cuarta placa oficial, dedicada al vigésimo aniversario de la Revolución cubana.

En 1982, a dos años de Rabo de nube, apareció su quinto álbum oficial, Unicornio, que incluye su famoso tema homónimo,

Al año siguiente, colaboró en el álbum de Luis Eduardo Aute Entre amigos, cantando en la canción Dentro, ese mismo año lanzó el álbum triple Tríptico,

En 1993 asumió su primer cargo político, como diputado de la Asamblea Nacional del Poder Popular de Cuba, cargo que ocuparía durante quince años.

El 9 de mayo de 2010, Silvio Rodríguez empezó a publicar su propia bitácora personal en línea, la que tituló como su último álbum, Segunda cita, y a través de la cual comenta acerca de temas históricos, deportivos, políticos y culturales.


Exactamente un año más tarde, el 9 de mayo de 2011, crea además su propio sitio web, llamado Zurrón del aprendiz, en él se pueden encontrar, entre otras cosas, un detallado listado de canciones inéditas, fotografías de distintas épocas del cantautor y varias entrevistas.


CANCIÓN DEL ELEGIDO.





OJALA.





LA MAZA.




ÁNGEL PARA UN FINAL.





QUIEN FUERA.




SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO.





UNICORNIO.


John Mayall.

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John Mayall, nació el 29 de noviembre de 1933 en Macclesfield, Reino Unido, es un cantante, instrumentista y compositor británico de blues y pop-rock, precursor de la invasión del blues inglés junto a Alexis Korner.

En 1955 fundó su primer grupo, The Powerhouse Four y posteriormente su más famosa banda: The Bluesbreakers, en la que contó con la colaboración de guitarristas como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor, su banda fue el alma máter de diversas formaciones posteriores, Mick Fleetwood y John McVie formaron parte de la banda y participaron en la grabación de A hard road, junto al guitarrista Peter Green, formando, tras dejar los Bluesbreakers, Fleetwood Mac.

The Bluesbreakers consiguió hacer magníficos discos en la década de los 60s como el famoso álbum Bluesbreakers en cuya portada aparece Eric Clapton, hojeando un ejemplar del comic Beano, después de la salida de Clapton para formar el trío de blues-rock Cream, Mayall buscaría un nuevo guitarrista, Peter Green, después de grabar con Green el disco A hard road, Green se marcha para formar Fleetwood Mac.

Según el propio Mayall: "Un día, teníamos un concierto y no teníamos guitarrista, entonces apareció Mick Taylor", Mayall quedó alucinado con el joven guitarrista, pero terminó el concierto y Taylor se marchó. John lo buscó por todos lados, hasta que consiguió localizar a Taylor y le ofreció el puesto de guitarra en su banda, él y Taylor grabarían juntos el legendario Crusade, donde Taylor brilla con luz propia y en 1969, el psicodélico Bare Wires, Taylor se iría después a sustituir a Brian Jones en los Rolling Stones.

A partir de 1969 Mayall grabará los discos bajo su propio nombre, no obstante, ocasionalmente agrega el "and The Bluesbreakers", para sus músicos de apoyo, en discos y actuaciones.

Sintonizado con las nuevas propuestas de amor y paz, entre 1969 y 1971 Mayall se decantó por un blues acústico, sin batería, hace entonces un blues cálido y suave, con orientación hacia la movida hippie, representada por el uso de la flauta y la guitarra acústica.

Durante 1972 a 1974 fusionó el blues con el jazz, integrando su banda con músicos negros, saca entonces un sonido tipo big band, con un marcado toque de swing y jump blues.

Para la segunda mitad de los setentas le agrega al blues sabores country y funky. Por entonces Mayall ya vive plenamente en California, y su blues se ha americanizado. Incluso, sucumbe un poco al sonido discoteca.

El blues que ofrece Mayall por esta época está salpicado de los arreglos estándares del pop-rock americano, tipo del que hacen los nuevos Fleetwood Mac o los Eagles, de raíces country.

A partir de los ochenta, Mayall retorna al sonido blues rock de los primeros Bluesbreakers, y así se ha mantenido hasta ahora, por supuesto sin dejar de recordarnos ocasionalmente sus experiencias pasadas.

No obstante, la irregularidad que desde los ochenta ha tenido su carrera (hoy con una discografía de más de cuatro docenas de grabaciones), y lo predecible que se ha vuelto el contenido de sus discos, John Mayall aun parece ser el único que merece el título de "Padre Blanco del Blues".

La contribución de John Mayall a la historia de la música del siglo XX puede ser valorada tanto por su propio trabajo como por haber sido un busca talentos.


En 2003 celebró los 70 años de edad, en un concierto con algunos de los músicos que han trabajado con él, entre ellos Clapton y Taylor, además, para la ocasión lo acompañó Chris Barber, verdadera leyenda de la música británica, por cuya orquesta pasaron Alexis Korner (guitarra) y Cyril Davis (harmónica), Barber es reputado como uno de los más antiguos responsables de la introducción del blues en Inglaterra, en su época, realizó presentaciones acompañado con Muddy Waters.


WALKING ON SUNSET.





SHAKE YOUR MONEY MAKER.






HIDEAWAY.






SOMEBODY'S ACTING LIKE A CHILD.





COUNTRY ROAD.





IF I DON'T GET HOME.





OUT OF REACH.





SO MANY ROADS.






ALL YOUR LOVE.




BLUES FOR THE LOST DAYS.