domingo, 31 de julio de 2016

Franz Liszt.

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Franz Liszt, falleció el 31 de julio de 1886 en Bayreuth, Alemania, fue un compositor húngaro romántico, virtuoso pianista y profesor, su nombre en húngaro era Liszt Ferencz, según el uso moderno Liszt Ferenc, y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt.

Franz Liszt, nació el  22 de octubre de 1811 en Raiding, Austria, se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como intérprete, sus contemporáneos afirmaban que era el pianista técnicamente más avanzado de su época y quizás el más grande de todos los tiempos.

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Franz Liszt, también fue un importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta que contribuyó significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros compositores y artistas, intérpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner, Hector Berlioz, Camille Saint-Saëns, Edvard Grieg y Aleksandr Borodín.

Compositor y pianista húngaro, su vida constituye una de las novelas más apasionantes de la historia de la música, virtuoso sin par, durante toda su trayectoria, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente dividido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.

Fue un niño prodigio que llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio.

Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que se trasladara con su padre a París, donde en 1825 dio a conocer la única ópera de su catálogo, Don Sanche, ou Le Château d’amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.

En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Héctor Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini, la audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso, desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín y lo consiguió, en especial en sus Estudios de ejecución trascendente.

Ídolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación con Marie d’Agoult, condesa de Flavigny, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después.

Su carrera musical mientras tanto proseguía imparable, y en 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.

Los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos conciertos para piano y orquesta, fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso pianista,  para centrarse en la creación y la dirección.

Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858, se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt como empezó a ser conocido desde aquel momento, perdió su afición a los placeres terrenales.

Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extra-musical, sea éste literario o pictórico.

Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss, no menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena, todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

El 31 de julio de 1886 falleció el genio Franz Liszt.

HUNGARIAN RHAPSODY NO 2.  





PIANO CONCERTO NO. 1 IN E FLAT.





HUNGARIAN RHAPSODY NO. 6 IN D-FLAT MAJOR.





CONCERT STUDY IN D FLAT MAJOR "UN SOSPIRO"





PIANO SONATA IN B MINOR - PART 1





ANNÉES DE PELERINAGE BOOK 1.





PAGANINI ETUDE NO.4





PAGANINI  ÉTUDE NO. 6 IN A MINOR





DANTE (INFIERNO).




YEARS OF PILGRIMAGE "LE MAL DU PAYS No. 8





LIEBESTRAUM - LOVE DREAM.


Bud Powell.

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Earl Rudolph Powell, conocido como Bud Powell, falleció el 31 de julio de 1966, Nueva York, Estados Unidos, fue un pianista y compositor de jazz, y una de las figuras fundamentales del bebop.

Earl Rudolph Powell, nació el 27 de septiembre de 1924 en Harlem, Nueva York, Estados Unidos, con una difícil infancia, creció rodeado de músicos: su hermano mayor William Jr. era trompetista profesional, su hermano menor Richard también se dedicó al piano, su padre pianista de estilo "stride" y su abuelo fue guitarrista de flamenco que aprendió en Cuba.

Desde sus primeros años fue inducido al estudio del piano por su padre y muy pronto ya pudo interpretar composiciones de los grandes maestros de la música clásica.

En 1939 fue contratado por los Sunset Royals, grabando ese mismo año su primer disco.

En 1944 ingresó en la orquesta de Cootie Williams, demostrando su exigente maestría y gran talento, durante el transcurso de ese año empieza a presentar trastornos psiquiátricos que le ocasionan problemas con la policía por lo que tuvo que ser hospitalizado en varias ocasiones.

En 1946 se une de nuevo a la música y entra en contacto con las grandes agrupaciones de bebop.

En 1947 forma su propia banda pero su enfermedad mental lo aísla de nuevo de los escenarios, debiendo ser internado durante 2 años en los que se le somete a sesiones de electroshock en un intento de revertir su esquizofrenia.

A partir de 1949 se inicia su etapa musical más productiva, alternando con nuevos ingresos en instituciones psiquiátricas.

El 5 de mayo de 1953 participó junto con Max Roach, Dizzy Gillespie, Charlie Parker y Charles Mingus en un legendario concierto celebrado en Toronto Canadá, a partir de ese momento su salud entró en declive.

Aún tuvo momentos de lucidez para ir de gira junto con el Modern Jazz Quartet a Europa en 2 ocasiones, 1956 y 1959, en su último viaje al viejo continente permaneció durante 5 años en París donde formó un grupo bastante regular.


Hacia el final de su vida y aquejado por la tuberculosis y el alcoholismo regresó a Estados Unidos donde hizo apariciones esporádicas hasta su fallecimiento.


THERE WILL NEVER BE ANOTHER YOU.





CLEOPATRA'S DREAM.





TEMPUS FUGIT.





THE FRUIT.





GET HAPPY.





OBLIVION.


Teddy Wilson.

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Teddy Wilson o Theodore Shaw Wilson, falleció el 31 de julio de 1986 en New Britain, Connecticut, Estados Unidos, fue un pianista y director, con su propia banda entre 1935 y 1937 realizó una serie de grabaciones históricas con la vocalista Billie Holiday y el tenor saxo Lester Young que son clásicos del swing.

Theodore Shaw Wilson, nació el 24 de noviembre de 1912 en Austin, Texas, Estados Unidos, se unió al trío de Benny Goodman en 1936, para más tarde en 1940 desempeñarse como líder de conjuntos reducidos o como solista, demostrando así su refinada y artística mezcla de estilos.

Wilson volvió a grabar con Lester Young a mediados de los años 50 cuando, a lo largo de dos días de grabaciones, sacaron dos álbumes clásicos para la discográfica de Norman Granz, Verve Records.

El primero, Prez and Teddy (1956), como el Lester Young & Teddy Wilson Quartet (con Jo Jones y Gene Ramey) y el segundo, The Jazz Giants '56, con los mismos músicos, más Vic Dickenson, Roy Eldridge y Freddie Green.

Teddy Wilson, muere el 31 de julio de 1986, New Britain, Connecticut, Estados Unidos.


BUT NOT FOR ME.





AFTER YOU'VE GONE.





ALL OF ME.





ROSETTA.





TEA FOR TWO.





I GOT RHYTHM.





MISTY.





I'LL SEE YOU IN MY DREAMS.





THE WAY YOU LOOK TONIGHT.




AMERICAN JAZZ 1963.


Jim Reeves.

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Jim Travis Reeves, falleció el 31 de julio de 1964 en el Condado de Davidson, Tennessee, Estados Unidos, fue un cantante y compositor que ganó popularidad en los años 1950 y 60 debido a la calidad de sus interpretaciones y la originalidad de sus números.

James Travis Reeves, nació el 20 de agosto de 1923 en Galloway, Texas, Estados Unidos, considerado figura emblemática de la música popular norteamericana, debido al novedoso Sonido Nashville que popularizó, su fama se expandió posteriormente por una buena parte del mundo recibiendo el calificativo de "El caballero Jim".

A pesar de haber fallecido a la edad de 40 años en un accidente aéreo, su música sigue siendo recordada y forma parte del Salón de la Fama de la Música Country y de la Música Country Texana.

Jim Reeves al obtener un beca de la Universidad de Texas, se enroló en el estudio de Discurso y Drama, pero abandonó los estudios después de seis semanas para irse a trabajar a los Astilleros de Houston, regresó al béisbol jugando en las ligas semi-profesionales antes de firmar para Los Cardenales de San Luis, en 1944 como pitcher diestro, permaneció en las ligas menores por espacio de tres años antes de sufrir daños en su nervio ciático en el ejercicio del picheó lo que terminó su carrera atlética.

Reeves comenzó a trabajar como DJ (animador) y cantaba en vivo, a finales de los 40s firmó para un par de discográficas pequeñas localizadas en Texas pero sin éxito.

Fue miembro de la banda de Moon Mullican e hizo algunas grabaciones primigenias al estilo Mullican como "Each Beat of my Heart" (cada latido de mi corazón) y "My Heart's Welcome Mat" que datan de finales de los 40 y principios de los 50.

Los primeros éxitos de Reeves dentro del género country fueron "I love you" (en un memorable dueto con Ginny Wright), Mexican Joe (pieza dedicada a José Barrera un artista mexicano de show ecuestre famoso en los Estados Unidos), Bimbo y otras canciones quedaron registradas para los sellos Fabor Records y Abbot Records.

Grabó solamente un álbum para Abbott en 1955 llamado Jim Reeves Sings (Jim Reeves canta) (Abbott 5001), se mudó al sello RCA Victor, en sus primeras grabaciones para la RCA, Reeves conservaba el estilo ruidoso de sus primeras grabaciones lo cual era considerado estándar en los cantantes del género country y western en aquel tiempo, suavizó su volumen usó un registro bajo y canto con los labios casi cerca del micrófono, no obstante encontró algo de resistencia en la RCA; hasta 1957 en que apoyado por su productor de entonces Chet Atkins, usó este estilo en su versión de una canción demo de amor perdido, escrita desde la perspectiva de una mujer (estructurada para una cantante femenina) "Four Walls" (Cuatro paredes) no sólo logro posicionarse dentro de los charts de música country, sino que alcanzó la posición número 11 dentro de las listas de música popular.

Reeves no sólo abrió las puertas a una mayor aceptación de los cantantes country sino que ayudo como guía para entender el nuevo estilo de country, usando violines y arreglos firmes que respaldaban rítmicamente lo que fue conocido como Sonido Nashville.

Reeves ganó fama como crooner debido a su cálida y aterciopelada voz, sus canciones fueron resaltables por la simple elegancia enaltecida por su luminosa voz de barítono, canciones tales como "Adiós amigo", "Welcome To My World"(Bienvenido a mi mundo) y Am I Losing You?(Estoy perdiéndote?) lo demuestran cercanamente, sus canciones navideñas permanecen como perennes favoritas, se incluyen "Silver Bells" (Campanas plateadas), "Blue Christmas" (Navidad Triste) y "An Old Christmas Card (Una vieja postal navideña)

Reeves colocó su más grande éxito con una composición de Joe Allison llamada "He'll Have To Go", un enorme éxito en ambas listas la Country y Pop, lo cual le hizo acreedor a un disco de platino, lanzado en 1959, logró la posición número 1 de Billboard's Hot C&W Sides el 8 de febrero de 1960, en donde permaneció por 14 semanas consecutivas.

A principios de los 1960, Reeves era más popular que Elvis Presley en Sudáfrica y grabó numerosos álbumes en Afrikáans, en 1963 viajó y estelarizó la película sudafricana Kimberley Jim, lanzada con un especial prólogo y epílogo en los cines sudafricanos presentado a Reeves como un verdadero amigo del pueblo, el film fue producido, escrito y dirigido por Emil Nofal.

El 31 de julio de 1964, Reeves y su socio y manager artístico Dean Manuel quien también era pianista de los Blue Boys) dejaron Batesville, Arkansas, en dirección a Nashville a bordo de un aeronave monomotor Beechcraft Debonair con Reeves en los controles, mientras volaban sobre Brentwood, Tennessee se encontraron con una violenta tormenta eléctrica, una subsecuente investigación mostró que el pequeño avión había quedado atrapado dentro de la tormenta y Reeves sufrió de desorientación espacial, se creyó entonces que estaba volando al revés, cuando los restos de la aeronave fueron encontrados 42 horas después, se descubrió que el motor y la nariz del avión estaban enterrados en la tierra debido a la fuerza del impacto.

La última sesión de Jim en los estudios de la RCA produjo "Make the World Go Away", "Missing You", y "Is It Really Over?" "I Can't Stop Loving You" que quedó como su última grabación para la RCA.

Hizo todavía una última grabación en un pequeño estudio en su hogar en julio de 1964 Reeves grabó "I¡m Hit Again" usando una guitarra acústica como acompañamiento. Esa grabación nunca fue lanzada, pero apareció en una colección de canciones de Reeves, después de que la RCA vendió los derechos que tenía sobre las canciones de Jim.


Jim Reeves, fue electo de manera póstuma para ocupar un sitio en el Salón de la Fama de la Música Country en 1967,"Aunque el accidente aéreo le privó de la vida, la posteridad mantendrá su nombre vivo porque le recordarán como uno de los más importantes intérpretes de la música country".


WELCOME TO MY WORLD.





THIS WORLD IS NOT MY HOME.





WE THANK THEE.





I LOVE YOU BECAUSE.





TAKE MY HAND, PRECIOUS LORD.





ACROSS THE BRIDGE.





I'D RATHER HAVE JESUS.


Rina Aiuchi.

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Aiuchi Rina, nació el 31 de julio 1980 en Higashiōsaka, Osaka, Japón, es una cantante de música popular, ella escribe las letras de sus canciones y la auto-producción.

Rina gustaba cantar para los demás, a la edad de 5, comenzó la formación musical en el piano, convirtiéndose en el pianista de su clase de jardín de infantes y escuela primaria.

Rina hizo su debut el 23 de marzo de 2000, con el lanzamiento del single, "cerca de su corazón", ella lanzó tres singles más y su título de "Koi wa Thrill,  ( スリル, ショック, サスペンス?), fue usada como tema de apertura de la serie de anime Detective Conan, lo hizo un gran éxito.

En 2001, el primer álbum de Rina, "Sé feliz", que incluye "Koi wa Thrill, desde entonces, ella llegó a aparecer en la televisión, y se hizo muy popular en Japón.

En 2002, el segundo álbum de Rina "PODER DE LAS PALABRAS"  es el álbum más popular en su trabajo. "PODER DE LAS PALABRAS" alcanzó la cima de las listas de Oricon y vendió más de 540.000 copias, su 3er álbum "AIR" hizo lo mismo, alcanzando el # 1 en las listas de Oricon de nuevo.

Sus sencillos se han utilizado en otras series de anime, así como juegos de video.

"MILAGRO" fue utilizada para el tema de cierre de " Bara ga Saku Bara ga Chiru "fue utilizada para el tema de apertura de Souten no Ken, su canción, "CODE CRUSH" Para Rockman X7 de Capcom, que ayuda a su single "Over Shine" y su 3er álbum a ganar popularidad en 2003.

Con el éxito de su 13 º "SALTO FULL", fue invitada a actuar en el escenario de "NHK Kohaku Uta Gassen", el escenario más grande de Japón.

Su popularidad se ha mantenido estable desde entonces, ganando su cuarto álbum "PLAYGIRL" y quinto álbum "delicia" éxito constante, el álbum alcanzó el Top 10 en la lista Oricon.

En 2010, lanzó su último y trigésimo segundo single, "Hanabi".

El 15 de septiembre, lanzó su octavo y último álbum, 'última escena'. Rina programo la "ÚLTIMA ESCENA  EN 2010 LAST LIVE concierto y poco después, anunció su retiro de la música debido a problemas de salud.

Su último álbum 'ÚLTIMA ESCENA' alcanzó no. 8 en las listas Oricon.


NAVY BLUE.





KOI WA THRILL.





CODE CRUSH.





CODE CRUSH - OPENING.





I CAN'T STOP MY LOVE FOR YOU.





RUN UP.





BARAGA SAKU BARAGA CHIRU.




CLOSE TO YOUR HEART.


Jerry Rivera.

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Gerardo Rivera Rodríguez, más conocido como Jerry Rivera, nació el 31 de julio de 1973 en Santurce, San Juan, Puerto Rico, es un cantante tanto de salsa como de baladas románticas.

Jerry el “cara de niño” descubrió la música a temprana edad, su padre Edwin Rivera, era cantante de trio y su madre Sandy, compositora y cantante aficionada quienes le inculcaron la pasión musical.

Su primer disco, Abriendo puertas, tuvo grandes éxitos con sus canciones “Esa niña”, “Dime” y “Como un milagro”, que convirtieron al disco en número uno de las listas de Puerto Rico, Estados Unidos y finalmente por toda América Latina.

Su segundo disco, Cuenta conmigo, ganó tres discos de platino en los Estados Unidos, Puerto Rico, Venezuela y Colombia, Jerry recibió dos premios Lo Nuestro Awards como “Cantante del Año” y “Disco del Año” y Sony Records le regaló tres Crystal Awards.

También representó un pequeño papel en la película I Like It Like That y ha actuado como sí mismo en el culebrón titulado Mi destino eres tú en los Estados Unidos durante noviembre de 2005, ha grabado con grandes figuras como Santana y Marco Antonio Muñiz.

En sus dos décadas de trayectoria, Jerry Rivera ha vendido sobre once millones de discos, convirtiéndolo en uno de los artistas más vendedores en el género tropical.

Rivera ha recibido 19 discos de oro y platino 17 de ellos #1 en ventas y más de 44 canciones en el Top Ten de Billboard, pero nada lo ha hecho ganador de un Grammy.

En El Amor Existe, Jerry seleccionó un puñado de estupendos temas como “No Basta” y “Será”, del cantante Franco de Vita; “Sólo con un Beso” y “Yo que te Amé”, de Ricardo Montaner; “Sólo Pienso en Ti”  y “Toda la Luz”, de Guillermo Dávila, además de los inéditos “Quién de los Dos” y “El Amor Existe”.


Jerry Rivera sigue actuando con su banda en Puerto Rico y por toda América y Europa.

CUENTA CONMIGO.





AMORES COMO EL NUESTRO. 





CASI UN HECHIZO.





QUE HAY DE MALO.





MI LIBERTAD.





ESA NIÑA.





NO HIERAS MI VIDA.


sábado, 30 de julio de 2016

Buddy Guy.

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George "Buddy" Guy, nació el 30 de julio de 1936 en Lettsworth, Luisiana, Estados Unidos, es un guitarrista y cantante de blues, es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos.

Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó, a medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.

A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Luisiana, en 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time.

En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certamen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación.

Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro, puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oído ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oído! Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles, ¡él puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen! Comento Stevie Ray Vaughan.

Aparece como invitado especial en el concierto de los Rolling Stones filmado por Martin Scorsese "Shine a Light" (2008) Al final de su participación Keith Richards le rinde honores regalándole su guitarra.

En 2004, fue incluido en el número 30 de la lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos, publicada por la revista Rolling Stone. Ganó cinco veces el premio grammy.


DAMN RIGHT I'VE GOT THE BLUES.





AIN'T NO SUNSHINE.





WHAT KIND OF WOMAN IS THIS.





LET ME LOVE YOU BABY.





CHAMPAGNE & REEFER.





WHAT I'D SAY.





FIVE LONG YEARS.



HAD A LITTLE LAMB.




SWEET HOME CHICAGO.


Paul Anka.

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Paul Albert Anka, nació el 30 de julio de 1941 en Ottawa, Canadá, es un cantante, compositor, actor e ídolo adolescente de la década de 1950.

Como intérprete, su perfil es de un crooner o cantante melódico anglosajón, en la línea de Frank Sinatra y de Tony Bennett.

Hijo de inmigrantes libaneses, ya en el colegio destacaban sus aptitudes como showman, con la idea de darse a conocer, en septiembre de 1956 grabó su primer disco, I Confess, y al año siguiente, en un viaje a Nueva York, recorrió diversas discográficas hasta que Don Costa, de ABC Records, quedó impresionado por sus potencial.

En julio de 1957 lanzó al mercado Diana, una canción dedicada a la adolescente que se encargaba de cuidar a su hermano pequeño y que alcanzó casi de inmediato el número uno a ambos lados del Atlántico.

Diana es un tema récord en muchos aspectos: permaneció nueve semanas en el número uno de las listas inglesas, se vendieron nueve millones de copias en poco más de un mes en todo el mundo y ha sido versionada en trescientas ocasiones por distintos artistas.

Con dieciséis años, Paul Anka se erigió en el precursor y líder del movimiento Teen (quinceañero) de los cincuenta, cosechando ventas millonarias de sus baladas interpretadas con voz de niño.

Hasta principios de los sesenta siguió obteniendo grandes éxitos como el recordado Put your head on my shoulder (1959).

La adquisición de los derechos del tema Comme d'habitude del francés Claude Françoise, que Paul Anka tradujo al inglés titulándolo My way, le devolvió al primer plano de la actualidad, especialmente después de que la canción se hiciera mundialmente famosa en la versión de Frank Sinatra.


En 1974 volvió a llegar al número uno con You're having my baby, a dúo con su protegida Odia Coates, a finales de la década, Paul Anka se estableció en el circuito de Las Vegas, en el que actuaban regularmente glorias como Tom Jones o Johny Cash.

DIANA.





HAVING MY BABY.  





YOU ARE MY DESTINY.





LONELY BOY.





 I'ST TIME TO CRY. 





PUT YOUR HEAD ON MY SHOULDER.





LET ME GET TO KNOW YOU.





IT'S MY LIFE.





JUBILATION.





MY WAY.


Elvis Crespo.

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Elvis Crespo Díaz, nació el 30 de julio de 1971 en la ciudad de Guaynabo, Puerto Rico, es un popular cantante de merengue-salsa.

A la edad de seis años se trasladó junto a su madre a Nueva York, viviendo el resto de su infancia en Queens, después se mudaron a Guaynabo, Puerto Rico, donde terminó de criarse, de niño aspiraba a ser pelotero, pero ante su evidente falta de destreza para desempeñarse en este campo, decidió canalizar ese deseo convirtiéndose en dirigente de equipos de pelota desde que tenía 14 años.

A los 17 forma parte de la orquesta de Elvistec, de ahí pasó a integrarse a otros grupos, entre los cuales estaba el del merenguero Toño Rosario.

Posteriormente, buscando complementar su carrera artística con una educación formal, ingresó en la Universidad Metropolitana de Puerto Rico, donde cursó estudios en Administración de Empresas, pero al presentarse la oportunidad de ingresar en calidad de vocalista principal al cuarteto Grupomanía, Elvis aprovechó el momento, por espacio de tres años momentos de gloria con esta popular agrupación merenguera.

En plena evolución artística, Elvis decide iniciar una nueva etapa en su carrera y se lanza como solista con su propia orquesta, al tomar esta decisión trascendental, tuvo la suerte de contar con el respaldo incondicional de su casa de discos Sony, con su debut discográfico como solista en el género del merengue, la producción "Suavemente" se convirtió en uno de los grandes aciertos de la industria hispana a nivel internacional.

"Suavemente" rompió récords de venta tanto en Puerto Rico como en el exterior, colocando a Elvis Crespo en un sitial de importancia en el pentagrama de la música tropical, su producción fue nominada para el premio Grammy 1999 en la categoría "Mejor álbum de Música Tropical".

En aras de su exitoso "Suavemente", Elvis Crespo agotó una exitosa temporada en el Centro de Bellas Artes de San Juan, con el lanzamiento de la producción "Píntame", el merenguero boricua marcó su consagración definitiva en el mercado internacional.

Viajando de un extremo a otro de América, sus canciones dominaron fuertemente el pentagrama musical de 1999, al éxito en difusión de "Píntame", le sucedió entonces su interpretación del tema "hora enamorada".

El 25 mayo de 2013 realizó un concierto en La Ceiba, Honduras donde asistieron unas 30.000 personas en celebración del carnaval internacional de la amistad.

Discografía.
1998: Suavemente
1999: Pintame
2000: Wow! Flash
2002: Urbano
2004: Saboréalo
2007: Regresó el Jefe
2008: Me Gusta Me Gusta: Live in Las Vegas
2011: Indestructibleft Omega "El Fuerte"
2012: Los Monsters
2013: One Flag
2014: Ole Brazil ft. Maluma

2015: Tatuaje


SUAVEMENTE.





NUESTRA CANCIÓN.





TU SONRISA.





PEGAÍTO SUAVECITO.





PINTAME.





DÉJAME ACOMPAÑARTE.





NO SÉ QUÉ PASÓ.




LA CERVEZA.